CENDEAChttp://cendeac.net/urn:uuid:b6ad245c-0ae4-55f1-8801-b9a7d5654e202018-02-21T14:31:06ZCENDEACinfo@cendeac.netDavid Bestué_ POST-ARCADIA 2urn:uuid:fb14bc12-1b1c-548a-bb88-84f58df3adc32018-02-21T14:31:06ZCursos 28 de febrero 2018  / 20h / Cendeac / Espacio 0

Entrada libre y gratuita hasta completar aforo

 

   BIO_                                             

David Bestué (Barcelona, 1980) es un artista visual interesado en las relaciones entre el arte y la arquitectura. Ha realizado trabajos sobre Enric Miralles y la Historia reciente de la arquitectura y ingeniería en España.

Otro de sus focos de interés es la relación entre la escultura y el lenguaje, visible en algunas de sus exposiciones como Piedras y poetas, en la galería Estrany de la Mota (Barcelona, 2013); Realismo, en La Capella (Barcelona, 2014), La España Moderna en García Galería (Madrid, 2015) y ROSI AMOR, en el Museo Reina Sofia (Madrid, 2017).

Fotografía: David Bestué © José Hevia

  

   CONFERENCIA_   título y resumen                                                                                

Título_ Dar sentido.

 Resumen_ En esta conferencia quiero indagar las relaciones entre la materia y el lenguaje a través de una serie de imágenes y referencias a la obra de poetas, lingüistas, artistas y arquitectos. Desde el mito de Ió a la lectura de un poema de Blanca Varela realizado por el poeta y lingüista Mario Montalbetti. El punto de partida de mi intervención es la necesidad que tiene cada época por construir sentido, sea a partir de la creación de relatos del Génesis o mediante una identidad apuntalada por hechos del pasado. En la actualidad lo simbólico ha perdido valor a favor de lo utilitario. Durante este proceso lenguaje se ha vuelto demasiado pragmático e instrumental y la palabra ha perdido ambigüedad. En este contexto nace mi interés por trabajar y darle vueltas a la idea de lo material. Admirar la materia por encima de la forma, entenderla de hecho como algo que [...].

Resumen completo y más información sobre la actividad aquí

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Teresa Galí-Izard_ POST-ARCADIA 2urn:uuid:cdf9be01-dc34-50f3-99f4-460873b540ea2018-02-21T14:30:51ZCursos 7 de marzo 2018  / 20h / Cendeac / Espacio 0

Entrada libre y gratuita hasta completar aforo

 

Procesos naturales: Siempre hay una respuesta. Nos guste o no.

¿Cómo incorporar la inteligencia de los procesos naturales que conforman la Naturaleza en nuestras formas de vida tecnológicas, culturales, digitales? Cuáles son los tiempos, las formas de identificación y las fragilidades de este potencial desconocido? ¿Cómo rescatar estas inteligencias, y tiempos, en un mundo cada vez más tecnológico, aislado, urbano y global?

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Adonay Bermúdez_Ciclo CONTEXTOSurn:uuid:2d042c39-7a3c-5b66-b078-7379f20c7bea2018-02-13T13:08:42ZConferencias 26 de febrero 2018  / 20h / Cendeac / Espacio Biblioteca

Entrada libre y gratuita hasta completar aforo

 

 

Adonay Bermúdez (Lanzarote, España. 1985).  

www.adonaybermudez.com

 

CONFERENCIA_ resumen y título                  

Título_ El comisariado subversivo (si es que eso existe).

Resumen_ En una época de máxima competencia y situación cultural precaria, se hace necesario crear sinergias entre activos culturales para generar y maximizar los beneficios mutuos. De esta forma, el comisario Adonay Bermúdez (Lanzarote, 1985) expone de manera 100% personal los beneficios e inconvenientes de comisariar desde el punto de vista subversivo, abandonando toda relación con la polémica. Comisariar desde la coherencia.

 Para +información pincha aquí

 

 

 

 

 

 

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Miradas Cercanas: Pedro Nogueraurn:uuid:1a009231-ebe9-569e-ac0d-e03a8d0f4b232018-01-30T13:00:47Z 5 de febrero 2018  / 19.30 / Cendeac / Espacio Biblioteca / Entrada libre y gratuita

 

 

      BIO                                              

Pedro Noguera _Pigüo

1984. Murcia.

Comienza a desarrollar su trabajo dentro de las artes plásticas en la calle. Desde 1999 ha pintado graffiti y experimentado con el arte urbano. Otro aspecto que marca su forma de entender la creación artística, es el hecho de pertenecer a una familia con tradición de taller de imaginería religiosa con una larga trayectoria ligada a este mundo.

Termina la licenciatura en Bellas Artes y un master de restauración de bienes culturales en Universidad Politécnica de Valencia en 2009. Ha realizado diversos cursos de formación y colaboraciones con reconocidos artistas en diversos campos del arte contemporáneo, como Ángel Haro o Esther Ferrer.

Como restaurador aborda trabajos pintura de caballete, escultura policroma y dorados. Además de trabajar durante muchos años en el taller familiar Hijos de José Noguera Valverde, ha sido contratado como técnico de restauración para el Centro de Restauración de la Región de Murcia en los años 2009 y 2010.

También desarrolla en paralelo a la producción artística, una labor docente en la que combina los talleres monográficos sobre arte urbano y graffiti, los cursos de experimentación pictórica para niños y la enseñanza reglada en secundaria con asignaturas como la cultura audiovisual o la educación plástica.

En el campo de la pintura tiene influencias muy variadas como el constructivismo de las vanguardias del siglo XX, el expresionismo abstracto norteamericano, el arte matérico e informalista, u otras corrientes y estilos de la pintura y el graffiti relacionados con la abstracción geométrica.

Actualmente centra su trabajo en estudios de geometría con referentes  arquitectónicos en los que se mezclan colores y grafismos propios del graffiti, donde el tema principal es el entorno urbano y sus continuos cambios y fluctuaciones.

 CONFERENCIA_ título y resumen                    

Interior-exterior. Pintura y espacio urbano.

Concebir el entorno de la ciudad como soporte y continente de la práctica artística, es algo que viene de lejos. Nos podríamos remontar al tiempo de los griegos en los que el concepto de arte no existía, y la escritura o ingenuos dibujos denominados en italianograffiare, (término del que deriva el de graffiti) servían como una forma más de comunicación libre con códigos que, tal y como sucede hoy día, en ocasiones sólo alcanzaban a entender los destinatarios o personas afines.

Desde que empecé a pintar, combinar y aplicar lo aprendido en el taller a prácticas de mural u otras disciplinas en el entorno urbano, ha sido para mi una constante.

Posterior a los procesos de elaboración y contemplación de resultados de esos trabajos en exterior, mi mirada e intereses cambian, y en consecuencia las obras trabajadas en el estudio.

Antes de hablar del proyecto creativo en el que me encuentro inmerso actualmente, considero necesario hacer....+info.

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Miradas Cercanas: Gloria Lapeñaurn:uuid:7c118a14-1b2d-57d2-bc5c-2690c9ab105d2018-01-24T09:33:03ZConferencias  

29 de enero 2018  / 19.30 / Cendeac / Espacio Biblioteca / Entrada libre y gratuita

 
 
 

      BIO                                              

Gloria Lapeña (Murcia, 1989) es Doctora por la Universidad de Murcia y miembro del grupo Arte y Políticas de Identidad de la misma Universidad. Desarrolla su investigación en torno a las políticas de exclusión como reflejo del tejido vivo que moviliza la vida cotidiana en base a un pasado histórico más o menos reciente, y que aún persiste en la configuración de la ciudad, sus calles y sus arquitecturas. Su labor artística, ligada a su faceta investigadora, se circunscribe en el espacio urbano como receptáculo de memoria, narrado en torno a las historias paralelas a los grandes acontecimientos que ponen de manifiesto múltiples identidades soslayadas por la historiografía oficial. 

 
 

 

 CONFERENCIA_ título y resumen                

 

Caminar la Historia. Reescribir la ciudad

 “Caminar la Historia. Reescribir la ciudad” se plantea como una reflexión, desde el ámbito de las Bellas Artes, en torno al concepto de ocultación en una doble vertiente: la historiográfica y la arqueológica. Dicha problemática, concretada en la ciudad de Murcia, es abordada por medio de la definición de un nuevo formato artístico, el álbum caminado, y su materialización en la obra artística “Tahta al-zará. Un sueño bajo la tierra”, que narra ...... +info.

 

 

 

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Presentación del libro "Historia y violencia en latinoamérica"urn:uuid:b1251860-9db6-5cbc-9fbc-50faefe5d3542018-01-16T12:04:17ZEncuentro Elena Rosauro estará en el CENDEAC el jueves, 1 de febrero, para presentar el libro editado por el CENDEAC "Historia de la violencia en América Latina. Prácticas artísticas. 1992-2012" (Colección Ad hoc nº 30, diciembre 2017). Previamente lo presentará en La Central del MNCARS de Madrid el 31 de enero a las 19h. El libro estará disponible tanto en La Central como en la página web del CENDEAC.

 

 

Sobre el libro:

 

Un importante número de artistas en las últimas décadas abordan la violencia en América Latina como un fenómeno ligado a la historia y a la política de la región. Esta violencia, en algunos momentos, llega a entroncar en ciertas genealogías de dominación colonial, y tiene que ver, en cualquier caso, con las enormes desigualdades económicas y sociales que aún rigen el continente. Este libro propone una cartografía crítica de las prácticas artísticas que, entre 1992 y 2012, han tratado la violencia política ligada a la historia, pasada y presente, de América Latina. En este sentido, toma el análisis de las operaciones o estrategias formales utilizadas en la creación de las obras como uno de los aspectos más relevantes para la reflexión en torno a la representación de la violencia. Se abordan, también, las fuentes iconográficas, la recepción crítica de las obras y su interpretación. La metodología seguida incluye criterios que atienden a la naturaleza nacional/transnacional de las obras, su visibilidad y el reconocimiento de las mismas en el sistema del arte internacional, así como a la interdisciplinariedad de las prácticas artísticas y sus interacciones con el activismo político. Por otro lado, el análisis crítico de las obras permite proponer conceptos innovadores para el estudio de las estrategias formales en las prácticas artísticas contemporáneas, que dan cuenta de procesos de apropiación, traslación y alegorización de tradiciones iconográficas y operaciones de materialización/desmaterialización de objetos, espacios y cuerpos.

 

 

Sobre la autora:

 

Elena Rosauro (Madrid, 1985) es doctora por la Universidad Autónoma de Madrid. Realizó una maestría en Estudios Latinoamericanos y un posgrado en Cooperación Cultural y se licenció en Historia y Teoría del Arte. Actualmente es investigadora postdoctoral en la Universidad de Zurich, Suiza. Ha publicado artículos en revistas científicas internacionales y ha participado en numerosos congresos y simposios en diferentes países, tanto en Europa como en América. Sus campos de investigación incluyen los estudios latinoamericanos, los estudios culturales y de cultura visual, los estudios sobre violencia y memoria, y la antropología del arte. Es miembro electo del consejo de la Sección de Estudios de Cultura Visual de la Asociación de Estudios Latinoamericanos (LASA) y es secretaria general de la Red de Estudios Visuales Latinoamericanos (ReVLaT). También trabaja como coordinadora y secretaria editorial de la revista online Artefacto visual. 

En el plano curatorial es co-fundadora del proyecto la_cápsula, con sede en Zurich pero proyección internacional, que activa diferentes espacios en la ciudad a través de eventos artísticos efímeros. La próxima exposición del proyecto se realizará en el barrio de Usera de Madrid (C/ Ramón Luján 78), el 27 de enero de 2018. 

 

 

La presentación tendrá lugar el 1 de febrero a las 19:30h en la sala de la biblioteca del CENDEAC. Entrada libre.

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Contextos: Johanna Caplliureurn:uuid:783699d0-b153-58ea-bb58-ce4ac64485742018-01-10T08:54:39ZConferencias Conferencia: La teoría ficción expandida al trabajo curatorial

JOHANNA CAPLLIURE 

 

Desde 2005 ejerce su carrera como comisaria, filósofa y crítico de arte. Desde sus comienzos en el ámbito académico e institucional ha organizado actividades culturales como talleres, congresos, y simposios desde una perspectiva crítica sobre la cultura; tratando de introducir nuevos lenguajes y nuevos profesionales del pensamiento y la creación actual en ambos ámbitos: el universitario y el museístico. Fue vicepresidenta de AVCA: Associació Valenciana de Crítics d’Art, desde febrero 2012 hasta 2015. Actualmente es docente de Estética y Teoría del arte en la Universidad de BBAA de la UMH (Altea). Es licenciada en Historia del Arte y en Filosofía por la Universitat de València-UVEG formándose entre la UVEG, la UB (Universitat de Barcelona), l’Université de Toulouse Jean Jaurès (Francia) y l’UQAM (Université de Quebec à Montréal, Canadá). Es miembro del grupo de investigación FIDEX (Figuras del Exceso y Políticas del Cuerpo) de la UMH y del grupo de investigación Península. Procesos coloniales y prácticas artísticas y curatoriales del MNCARS.

 

Ha comisariado exposiciones y dirigido proyectos para la institución entre los que destacan principalmente: The Resistance of Transparency con Boudry&Lorenz, Sarah&Charles y Leonor Serrano Rivas,  Centro Párraga, Murcia, enero, 2018, A Revolutionary Love/Un amor revolucionari, Rectorado UMH, octubre-2017 con Alex Francés, Johan Grimonprez, Alexa Karolinski / Ingo Niermann, Maha Maamoun, María Ruido y Francesc Ruiz; Distopía general, Las Atarazanas, Ayuntamiento de Valencia, abril-2017 y On Translation, Centro del Carmen, Consorcio de Museos de la Comunidad Valenciana, abril-2017y La Lonja del pescado, Alicante, julio, 2017; The Ritual Box y The Ritual Box II  en La Rambleta, en el que han participado: Javi Moreno, Pil&Galia Kollectiv, Nadine Byrne y Ben Russell, 2015. Y, Chiara Fumai, Nuria Fuster, Richard Orjis, Julià Panadès, Bernhard Rappold, Enrique Radigales, Felix Leon Westner y Graham Bell, 2016. La exposición L’écran en conflit de María Ruido en la Galería Rosa Santos (Valencia, 2016); Relatos extraordinarios. Laylah Ali y Abigail Lazkoz. Sala Parpalló. Centro Cultural la Beneficencia, Diputación de Valencia, 2011; Conversaciones Extraordinarias, Sala Parpalló, Valencia, 2011. Identidades Estratégicas. Prácticas de intervención cultural. Centro Cultural La Nau (UVEG) y el Instituto de estudios universitarios de la mujer. Valencia, 2005; el comisariado de la exposición Fugas Subversivas. Reflexiones híbridas sobre la(s) identidades. Sala Thesaurus, Centro Cultural La Nau. Valencia, 2005. También ha sido invitada como comisaria independiente a la Biennal Martínez Guerricabeitia para la 12º edición, 2014, Valencia. Y en el Festival Miradas de Mujeres ha participado con el proyecto expositivo: Componer en el tiempo para MAG en Elche, 2014 (Alicante). 

 

Además, como docente ha impartido clases de crítica y arte contemporáneo en la UVEG y conferencias en UPV, ha organizado congresos de crítica de arte para la AVCA y también ha participado en congresos y seminarios de filosofía, arte y política, literatura comparada y crítica de arte, así como ciclos de cine y festivales de música. 

 

Habitualmente escribe textos de crítica cultural y pensamiento contemporáneo. Entendiendo el pensamiento como praxis, como “practique sauvage”, sus artículos atraviesan la hermenéutica crítica, los estudios de género y los estudios culturales (pensamiento postcolonial), la filosofía de la historia y las investigaciones entre comunidad, activismo y resistencia, relato y ficción “versus” historia. Actualmente está investigando las relaciones entre autobiografía, autoficción y autorreflexión desde la perspectiva del fictocriticism y el OOO.

Entrada libre hasta completar el aforo. Podéis enviar dossieres de trabajo para que Johanna Caplliure los vea al correo publicaciones@cendeac.net.

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Contextos. Semíramis Gonzálezurn:uuid:c2dadc48-52dd-5648-ae48-6f33aa92548d2018-01-08T13:42:26ZConferencias Comisariado, arte emergente y mercado: el trabajo con artistas 

A la hora de abordar mi labor en el campo del comisariado siempre prefiero usar el término de “art currator” para poner de relieve una forma de concebir cada proyecto con un sentido dialógico, de tú a tú. Desde los inicios de mi interés por ese “trabajar con artistas” mis referentes partían de esta forma de comisariar, donde es tan importante lo que se va a decir con la exposición como el modo en que esta se ha desarrollado antes. Pero vayamos por partes.

La idea de “art currator” viene a cuento también de mi experiencia como joven historiadora del arte que sale de la universidad en plena crisis económica (terminaba el máster en 2013) y que tiene que enfrentarse a un sector que, de por sí, es precario y dificultoso para la sostenibilidad profesional, y además con ese hándicap de todo un país en crisis. Así que más que curadora me convierto en currante, decidida a que es posible encontrar un camino en el sector artístico dentro del comisariado y la gestión, no sin dificultades, claro. Desde el principio me lanzo a trabajar con artistas, ya fuera escribiendo textos para exposiciones, críticas de las mismas para medios como la Plataforma de Arte Contemporáneo, o pequeñas exposiciones con artistas emergentes. Aquí surge otro de mis intereses: el arte emergente, no tanto como categoría vinculada a una edad sino más bien a una actitud, a un trabajo vanguardista y actual. 

Desde entonces, y a medida que han ido pasando los años y los proyectos, esta ha sido siempre mi meta: un trabajo serio, profesional, y en diálogo con los y las artistas. Y, sin embargo, ¿qué puedo aportar yo como comisaria a una obra, a una serie o a todo un proyecto que un artista investiga y desarrolla? Pues bien, creo que la función del comisario de exposiciones implica ese respeto por cada proyecto artístico, el poner en valor un corpus de trabajo que intenta, a través de las imágenes, responder a preguntas comunes que todos los seres humanos tenemos, sin perder nunca de vista la importancia de la buena resolución estética y material. La lectura que una comisaria hace de una obra, en mi opinión, parte de la reflexión del/la artista pero aporta algo más, encuentra conexiones con otras obras y artistas o con otros interrogantes posibles que la obra puede plantear, aunque no estuvieran previstos en un primer momento. 

Además, a la hora de disponer las obras en la sala de exposiciones, la comisaria debe tener en cuenta el punto de vista que tendrá quien la visite, pudiendo conocer o no el trabajo con anterioridad. En cualquier caso, lo ideal es que si se conoce, se aporten nuevos puntos de vista sobre el artista y su trabajo, y si no se conoce, se genere un interés no solo por lo mostrado sino una serie de preguntas posibles a raíz de lo presentado. 

Y aquí viene también la idea de mercado. Actualmente desarrollo mi trabajo como directora artística de la feria de arte emergente JustMad, junto a Daniel Silvo. Resulta interesante cómo se aborda una dirección con dos cabezas y cuatro ojos, ya que el punto de vista de Silvo, como artista, tiene unas tendencias concretas y unas formas de trabajar, y las mías como comisaria, otras. Sin embargo, esta divergencia ha permitido, en mi opinión, generar un proyecto de feria mucho más sólido, donde por ejemplo hemos querido poner el acento en la importancia de la formación de los y las artistas (con premios basados en tutorías con artistas más veteranos, residencias, etc.), y también incidir en las buenas prácticas o la igualdad de género. El mercado del arte es una parte del sector que tiene una importancia destacada; no entro a valorar si esto es positivo o no, pero lo cierto es que para los artistas resulta importante tener una galería que les represente y a su vez que les lleve a ferias, no solo por el fin comercial del evento sino también por la visibilidad en el mismo. Por eso, partiendo de las necesidades de los artistas y las galerías, tanto Silvo como yo hemos querido incidir en una feria distinta, divertida, emergente, con propuestas que van más allá de los eternos 35 que sirven de referencia para (casi) todo y plantear un evento donde todos los agentes del sector sean protagonistas. Fomentar el coleccionismo de obras de unos precios más razonables (entre 500 y 4.000 estaría el baremo de precios de obras en JustMad) y acercar el arte más actual al público no solo como visitante sino como comprador o primer inicio de coleccionismo.

En cualquier caso, tanto en el ámbito de una feria como en el de una exposición en una institución pública o en una galería, tengo el firme convencimiento de que una comisaria tiene que velar por el respeto a la obra artística, el trabajo de los y las artistas pero también responder a las cuestiones que sean protagonistas en su tiempo. Es también para mí muy importante la cuestión feminista y la defensa de la igualdad en el ámbito de la cultura, y así intento aplicarlo en mis proyectos, tanto en forma como en contenido. No solamente esto, sino que considero esencial reconocernos como sujetos privilegiados frente a otras realidades cercanas pero que no vivimos en primera persona, como por ejemplo, el racismo. Un verdadero proyecto comisariado no puede ser ajeno a las realidades sociales del mundo y no puede perder tampoco la importancia de la estética y lo visual para cambiar realidades. 

12 de enero a las 20h en la sala de la biblioteca del CENDEAC. Entrada libre hasta completar el aforo.

Las personas que quieran enviar un pdf con su obra para que Semíramis González lo vea pueden enviarlo a publicaciones@cendeac.net.

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Full Frame: Vincent Sáez en conversación con BEGO ANTÓNurn:uuid:f6b270fd-ba03-5b3e-84f2-b28ef58ec55d2017-12-11T09:53:05ZDebates FULL FRAME: Ciclo de conferencias sobre fotografía contemporánea

14 de Diciembre Vincent Sáez en conversación con BEGO ANTÓN.

 

 

Este ciclo de conferencias/encuentros busca introducir a un público general interesado en el arte y en la cultura en las nuevas manifestaciones y visiones de la fotografía contemporánea, mediante el análisis pormenorizado de proyectos fotográficos relevantes y el testimonio de creadores jóvenes que compartan su proceso creativo, sus hallazgos y sus dificultades.

 

Este proyecto está coordinado por el colectivo” Underphoto” y consistirían, entre otros, en los siguientes contenidos:

 

- Una mirada profunda y detallada al trabajo de cada uno de los autores invitados. Comenzando por sus influencias, el análisis pausado de su proceso creativo, culminando en sus resultados finales, incluyendo aquellos proyectos o series que no llegaron a buen puerto. Todo ello guiado por uno de nuestros miembros, que mediante preguntas guiaría el curso de la conversación.

 

- Análisis de la situación actual de la fotografía, a cargo de Underphoto y los profesionales invitados. Este análisis estaría centrado en los proyectos y propuestas más interesantes de la actualidad, en las nuevas posibilidades de difusión y en las tendencias más contemporáneas.

 

La idea es crear un entorno de debate amable, compartir experiencias, mostrar al público nuevas ideas y poner de ejemplo exposiciones, proyectos, fotolibros, etc, que puedan dar pie a experiencias similares en nuestro entorno.

 

http://begoanton.com/

A las 19:30h en el CENDEAC. Entrada libre

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Osiris Arias: Mil veces Daniel. Gestos compartidos en redes socialesurn:uuid:da52a59a-ea14-5f83-a6a5-4f650b97140f2017-11-21T11:33:13ZConferencias Hace 7 meses murió Daniel Davis, mi primo. Su muerte fue repentina y sin alertas. Cuando el resto de su familia despertó, él ya estaba muerto. Entre todas sus pertenencias había, por supuesto, fotografías familiares. Como fotografías, no podemos hablar mucho de ellas; retratos, fotografía de viajes, lo mismo que cualquier persona podría fotografiar con una cámara digital. Sin embargo, esta misma falta de estilo es la que me atrajo y motivó  esta pregunta: ¿qué parentescos visuales y temáticos existen entre las fotografías de Daniel y otros miles de usuarios; qué coincidencias visuales y formales se evidencian al comparar las fotografías de múltiples usuarios?¿Qué tenemos en común todas las personas que hemos tomado una fotografía? Pensemos en un día en la playa, una carne asada; cualquier cosa. Ya todo ha sido registrado para recordarse, y más aún: para almacenarse en internet. Todos los eventos que nos unen como humanos ya están en alguna cámara o en Google ¿entonces qué podemos hacer los artistas? Mi trabajo intenta responder esta pregunta, por medio de la investigación de un lenguaje post- fotográfico, que le de uso y cuestione el valor de aquellas imágenes de internet que forman parte de una memoria, un tiempo y una  historia pública. Ya todo está fotografiado; todo lo que nos  interesa está disponible. El siguiente paso es darle un uso, problematizar la existencia de esas imágenes.

Con base en internet como laboratorio, quiero mostrar la existencia de una condición actual de la mirada, misma condición que se muestra en su mayor sentido en las redes sociales. ¿Cuántas fotografías son cargadas cada hora? La cifra se reduce si partimos de una hipótesis: existen fórmulas -a nivel temático/emocional- y fórmulas de representación objetiva (cómo posamos para una fotografía, qué elementos fotografíamos). Estas fórmulas o códigos están grabados en una especie de inconsciente escópico, al que, valdría la pena llamar insconsciente fotográfico 2.0.

Este proyecto problematiza esas distancias no siempre visibles  y las aprovecha para dar sentido a la memoria de un Daniel Davis, para también observar el comportamiento fotográfico de un grupo de personas unidas por redes virtuales pero, a la vez, reales.

 

“Miles de veces Daniel”  es un proyecto que, por medio de la apropiación fotográfica, reúne imágenes del álbum familiar de una persona, con fotografías apropiadas de internet pertenecientes a diversos usuarios de redes sociales. La unión de estas dos fuentes, es un personaje cuya historia ha sido remplazada por una memoria híbrida. Debido a las semejanzas entre unos archivos y  otros, y a un montaje visual que configura las relaciones formales, la realidad se vuelve casi irreconocible, poniendo en conflicto los usos del archivo como práctica de la memoria y la historia. En esta misma línea, agrupar miles de imágenes me permite “detonar” las relaciones formales entre ellas, lo cual muestra la existencia de un inconsciente fotográfico.

Este proyecto toma como punto de partida fotografías de cuatro momentos de la vida de Daniel Davis (infancia, adolescencia, edad adulta, muerte) para buscar imágenes en internet que se les parezcan en  cuanto  a  personajes,  escenarios  y  situaciones. Es  como  si hubiera algo de Daniel en el imaginario y memoria visual de otra persona; como si su fantasma se hiciera presente en un gesto, un detalle que sobrevive en un inconsciente fotográfico que se expande en el mundo digital.

 

Osiris Arias  (Cuernavaca, Morelos, 1990) 
 

Artista y académico. Con base en una metodología historiográfica y estrategias de creación como la cita y la apropiación, explora cómo se construye la memoria y los mecanismos discursivos que la validan dentro de una narrativa específica. 

Estudió la licenciatura y maestría en artes plásticas en la Universidad Autónoma de Baja California (UABC) y en la Universidad de Brasilia. En el año 2015 realizó una estancia de investigación en la Universidad de Barcelona, con Dra. Anna María Guasch. Desde el año 2012 ha sido profesor en la Facultad de Artes de la UABC. Actualmente cursa el primer año del Doctorado Arte: producción e investigación, en la Universidad Politécnica de Valencia

Ha participado en exposiciones como: X Bienal de Fotografía de Baja California, XVIII Encuentro Nacional de Arte Joven; VII Bienal Nacional de Yucatán; Antropodarcy; V Bienal Nacional Miradas; 8 Bienal Plástica de Sonora; XIX Bienal plástica de Baja California; Bienal Nacional de Arte y Diseño ENAP/UNAM; Yo contenido. Catálogo de artistas jóvenes Mexicanos; y diversas exposiciones colectivas e individuales en México. Ha sido becario del PECDA en la disciplina de fotografía. 

Como académico, ha presentado ponencias en la Universidad de Chile, Universidad Autónoma de México, Universidad Autónoma de Hidalgo y la Universidad Autónoma de Baja California

 

A las 19:30 en la sala de la biblioteca. Entrada libre.

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Un otoño de libros: Editar en Murciaurn:uuid:5fc83194-681d-55ee-9633-bc34fe1602062017-11-21T10:22:54ZDebates  

 

Participan Gustavo Alemán, Fernando Fernández Villa y Juan Rubio. 

Modera Javier Castro

 

Frente a los que vaticinan en plan apocalíptico desde hace años el final del libro y aseguran que la lectura avanza imparable hacia soportes más tecnológicos se ha producido en los últimos años un fenómeno de resistencia con el nacimiento de nuevas editoriales y una vuelta a los libros. En la región de Murcia este fenómeno ha sido destacado y además ha coincidido con el surgimiento de una interesante generación de nuevos escritores que ha enriquecido el panorama cultural. En esta mesa redonda tres destacados editores debatirán sobre los múltiples aspectos de una industria cultural –la de la edición- de una gran importancia: papel del libro, campañas de animación a la lectura, situación de librerías y bibliotecas, cómo se estructura un proyecto editorial, distribución, ayudas públicas etc.

 

 

Gustavo Alemán es fotógrafo y profesor de fotografía. Tras la publicación de su primer libro autoeditado “(No) soy de aquí” (2013) y tras toda una vida de fascinación con los libros y sus posibilidades expresivas, funda en 2014 la editorial Fuego Books junto con su hermana Ángela. Fuego Books publica fotolibros de autores nacionales y extranjeros y su énfasis es la difusión de proyectos que parten de la experiencia personal pero sirven a su vez de reflexión, opinión y crítica sobre la realidad contemporánea. 

Desde su fundación en 2014, Fuego Books ha publicado “Country Fictions” (2014) del fotógrafo madrileño Juan Aballe, un trabajo sobre la aspiración de volver al medio rural, examinando lo que tiene este plan de fantasía o realidad. Le siguieron “Up Around the Bend” (2015) de Christian Lagata, una visión personal sobre la vida en Rota junto a la base estadounidense, y ya en 2017 “Ser de La Cala” de Gerard Boyer, una meditación sobre la memoria, la construcción de los recuerdos y la relación entre pasado, presente y el posible futuro.  Por su parte, “Survivalists” de la artista francesa Léa Habourdin, aborda en una narrativa sútil nuestra compleja relación con el medio natural. Su último título es “A Place Both Wonderful and Strange” una antología de trabajos fotográficos inspirados por Twin Peaks y la obra de David Lynch que cuenta con el trabajo de trece fotógrafos internacionales, que incluyen a Cristina de Middel, reciente Premio Nacional de Fotografía. Es fundador también del Photobook Club Murcia y miembro del colectivo underphoto.

 


Fernando Fernández Villa desde muy joven ha estado relacionado con la edición, maquetación y diseño de publicaciones, coordinando diferentes revistas culturales y sociales en los 80 y 90. En 2007 crea Alfaqueque Ediciones y en marzo de 2008 publica la editorial su primer libro. Desde entonces, hasta la fecha, ha publicado numerosos títulos. En las próximas semanas la editorial pondrá a la venta una obra inédita de Miguel Espinosa: “Cartas a Mercedes”. En 2014, crea, junto al escritor, Paco López Mengual y el editor de Gollarín, Francisco Marín García, un nuevo proyecto editorial, La Fea Burguesía Ediciones, en la que tienen cabida la narrativa, el ensayo y la poesía. Actualmente compagina su actividad editorial con la de técnico de cultura en el ayuntamiento de Cieza.

 

Juan Rubio, creador audiovisual, es editor de Raspabook desde su creación en 2013 y lleva vinculado al sector editorial desde hace más de veinte años. Raspabook es una editorial independiente que desarrolla su actividad en el mercado español y ha establecido lazos con el área literaria latinoamericana. 

Su catálogo incluye narrativa, poesía, literatura infantil y juvenil y cocina. Se trata de una editorial que cree en la cultura como insurrección, como impugnación frente a valores dominantes, como mecanismo de transformación, como innovación social, como ejercicio de educación y sensibilización encaminados a crear espacios de eclosión y acción necesarios para mitigar la desigualdad de oportunidades. La cultura como punto de encuentro y reflexión.

 

A las 19:30 en la sala de la biblioteca del CENDEAC. Entrada libre

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Post-Arcadia. Qué Arte, para qué naturaleza?. Curso de Introducción al Arte Contemporáneo. 8ª sesión: Antropoceno/Gaia/Cosmosurn:uuid:7df4a64e-1573-5b6e-9f63-c3d536e6cf442017-11-17T09:34:29ZConferencias 8. ARTE TRANSDISCIPLINAR EN EL ANTROPOCENO

¿A qué llamamos naturaleza, hoy, en la era del Antropoceno? ¿Cómo afectan

las teorías del Antropoceno y la Tecnosfera a la práctica artística

contemporánea?¿Es posible, desde el arte, una revisión ético-crítica sobre

el modo de habitar el mundo? ¿Puede ser la práctica artística un mecanismo

efectivo de visibilización y revisión de la crisis sistémica medioambiental

global? ¿Qué prácticas artísticas están interesadas en cuestionar el

proyecto moderno (tecno-cultural y geopolítico) de explotación del planeta,

y cómo lo hacen?¿Es posible la interconexión de los nuevos procesos y

métodos de las disciplinas tecno-científicas con las prácticas artísticas

transdisciplinares?

 

Invitada: Bárbara Fluxá (Artista). A las 20h. Entrada libre

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Full Frame: Agus Bres en conversación con MIREN PASTORurn:uuid:77814302-bf68-5e5d-a292-5c3edc4158872017-11-17T09:24:28ZDebates FULL FRAME: Ciclo de conferencias sobre fotografía contemporánea

 

 

 

Este ciclo de conferencias/encuentros busca introducir a un público general interesado en el arte y en la cultura en las nuevas manifestaciones y visiones de la fotografía contemporánea, mediante el análisis pormenorizado de proyectos fotográficos relevantes y el testimonio de creadores jóvenes que compartan su proceso creativo, sus hallazgos y sus dificultades.

 

Este proyecto está coordinado por el colectivo” Underphoto” y consistirían, entre otros, en los siguientes contenidos:

 

- Una mirada profunda y detallada al trabajo de cada uno de los autores invitados. Comenzando por sus influencias, el análisis pausado de su proceso creativo, culminando en sus resultados finales, incluyendo aquellos proyectos o series que no llegaron a buen puerto. Todo ello guiado por uno de nuestros miembros, que mediante preguntas guiaría el curso de la conversación.

 

- Análisis de la situación actual de la fotografía, a cargo de Underphoto y los profesionales invitados. Este análisis estaría centrado en los proyectos y propuestas más interesantes de la actualidad, en las nuevas posibilidades de difusión y en las tendencias más contemporáneas.

 

La idea es crear un entorno de debate amable, compartir experiencias, mostrar al público nuevas ideas y poner de ejemplo exposiciones, proyectos, fotolibros, etc, que puedan dar pie a experiencias similares en nuestro entorno.

 

 

 

 

23 de noviembre Agus Bres en conversación con MIREN PASTOR

http://www.mirenpastor.com/

Para la sesión del Mes de Noviembre la invitada es la fotógrafa Miren Pastor (Pamplona, 1985). Fotógrafa y dinamizadora cultural, Miren Pastor es la autora de dos libros de fotografía (Bidean I y Bidean II) de amplio reconocimiento, es ganadora del ING Unseen Talent Award del festival Unseen de Holanda en el año 2016 y su obra ha podido verse en instituciones como en el Centro de Arte Contemporáneo Huarte, en el Centro de Arte Alcobendas, en el Festival Circulation(s) de París y en el Festival FORMAT de Reino Unido.

 

En la charla, Miren nos hablará de Bidean, su proyecto mas ambicioso, una reflexión sobre la transformación en el ser humano y en el entorno natural, que partió como una documentación de los cambios de la adolescencia y ahora ha derivado a una meditación sobre el paisaje como metáfora vital y testigo de nuestras transformaciones.

 

Firme defensora del formato libro para difundir la fotografía,n o pierde la oportunidad de realizar BookJockeys  (sesiones de música y libros muy dinámicas y visuales) con el fin de experimentar y dar difusión al fotolibro más allá del ámbito fotográfico.

 

Miren Pastor compagina además su labor como artista con la coordinación de Blank Paper Escuela de Fotografía, la plataforma para fomentar la cultura en redes, MOB y el colectivo La Troupe.

 

En la charla, Miren Pastor conversará con el fotógrafo cartagenero Agus Bres, miembro del colectivo underphoto. 

 

 

14 de Diciembre Vincent Sáez en conversación con BEGO ANTÓN.

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Un otoño de libros: Hilario Jesús Rodríguezurn:uuid:df97893a-cd11-502f-99b3-56a0b39f59752017-11-17T08:25:31ZConferencias Lamentablemente la conferencia de esta tarde queda CANCELADA por problemas imprevistos con su vuelo.

 

Conferencia: Nostalgia del futuro. Contra la historia del cine.

 

 

UN OTOÑO DE LIBROS es un club de lectura que se acompaña de conferencias a cargo de los autores de los libros seleccionados. La asistencia  a la conferencia es libre hasta completar aforo. Para participar en el club de lectura puedes acudir al CENDEAC o escribir a inscripciones@cendeac.net 

HILARIO J. RODRÍGUEZ es licenciado en Filología Anglogermánica y en Filología Hispánica. Ha dado clases en España, Gran Bretaña, República de Irlanda y actualmente en Virginia Occidental (USA). Colabora con medios de prensa escrita (Leer, Imágenes de actualidad, Abc, La Vanguardia o Revista de Occidente). Ha coordinado y escrito diversos estudios sobre géneros cinematográficos, películas y directores, publicados en Cátedra, Paidós, Errata Naturae, Valdemar, T & B... También es autor de las novelas Construyendo Babel, Mapa mudo y El otro mundo. Además ha sido comisario de ciclos de cine, exposiciones y seminarios para diferentes instituciones, y asesor de programación en Documenta Madrid, Filmoteca de Extremadura y Festival de Cine de Huesca. Su obra fotográfica ha aparecido en diferentes portadas de libros y publicaciones como El País, ABC, Rockdelux, La Vanguardia o Qué Leer.

Recientemente publicó Perder ciudades (Newcastle), Nostalgia del futuro (Micromegas), Hotel Insomnia. Gracias por no ir al cine (Innisfree), y Un astronauta perfecto (Newcastle).  Ahora mismo trabaja en sus dos próximas novelas y en un libro sobre Estados Unidos.

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Los tiempos de la Historia del Arte: Miradas, Afectos, Cronologíasurn:uuid:ec272662-f444-597c-984e-c54e7e5cd3f22017-10-30T09:51:14ZSeminarios Ponentes:

Michael Ann Holly

Keith Moxey

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Del 14 al 16 de noviembre de 2017

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Las conferencias tendrán lugar en la planta baja, Espacio 0 (CENDEAC)

 

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Programa

 

Martes 14 de noviembre

18’30 h. Keith Moxey, What Time is it in Art History? ¿Qué hora es en la Historia del arte?)

 

Miércoles 15 de noviembre

18’30h. Michael Ann Holly, Back of the Painted Beyond (Detrás del más allá pintado).

 

Jueves 16 de noviembre

18’30h. Mesa redonda. Los tiempos de la Historia del Arte. Con Keith Moxey, Michael Ann Holly, Alejandro García Avilés y Miguel Ángel Hernández.

 

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El tiempo se ha convertido en una de las cuestiones centrales de las humanidades contemporáneas. La Historia del arte no ha sido ajena a la reconsideración de esta categoría esencial para los propios fundamentos de la disciplina. En los últimos años, toda una serie de historiadores del arte han comenzado a poner en cuestión muchos de los paradigmas temporales a través de los cuales pensábamos y construíamos la historia del arte. Entre ellos, Keith Moxey y Michael Ann Holly, tanto desde la teoría de la Historia del Arte como desde el análisis y reflexión sobre las obras del pasado, han propuesto nuevos modelos de pensamiento y reflexión que hacen avanzar la disciplina y la conducen a su estado actual en el siglo XXI. Sus intervenciones en este seminario serán una muestra de estos desarrollos actuales. 

 

En su intervención, Keith Moxey cuestionará el sistema cronológico que ha dominado las actividades profesionales relacionadas con la Historia del Arte. Su progresión ordenada de periodos desde antiguo, medieval, renacimiento, hasta moderno y contemporáneo, basado en un punto de vista eurocéntrico, no reconoce que las culturas del mundo no organizan el tiempo según una cronología teleológica. Por esta razón, propondrá la necesidad de introducir una visión heterocrónica y anacronística, capaz de dar cuenta de las múltiples temporalidades del mundo así como de oponerse a la ilusión de la linealidad. 

 

Un ejemplo de este trabajo de cuestionamiento de los tiempos tendrá lugar en la conferencia de Michael Ann Holly, quien examinará el modo en que la escritura artística se enfrenta a algunas obras de arte de principios del arte moderno por medio del análisis de los puntos de fuga que salen más allá del cuadro. El espacio al otro lado cuadro y la necesidad de una visión fenomenológica será la clave de un renovado análisis de la pintura moderna desde el siglo XXI. 

 

Por último, una mesa redonda pondrá en juego el título del seminario y examinará la actualidad de la Historia del Arte como disciplina y la importancia del elemento temporal tanto en sus fundamentos epistemológicos como en las formas de escritura. Así mismo, se debatirá la relación siempre complicada de la Historia del Arte con los Estudios Visuales.

 

 

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Michael Ann Holly es directora emerita del Research and Academic Program del Clark Art Institute, del que fue directora de 1999 a 2013. También fue fundadora del célebre programa de Estudios Visuales de la Universidad de Rochester. Es autora y editora de un gran número de libros sobre la historiografía y la teoría de la Historia del arte. Entre ellos, destacan Past Looking: Historical Imagination and the Rhetoric of the Image (1996), Panofsky and the Foundations of Art History (1984) y The Melancholy Art (2013).

 

Keith Moxey es profesor de Historia del Arte en el Barnard College de la Universidad de Columbia. En su amplia bibliografía, destacan Visual Time: The Image in History (2014),The Practice of Persuasion: Paradox and Power in Art History (2001), The Practice of Theory: Poststructuralism, Cultural Politics, and Art History (1994) y Visual Culture: Images and Interpretations (eds. Norman Bryson, Michael Ann Holly y Keith Moxey) (1994). En español, se han traducido El tiempo de lo visual (2015) y Teoría, práctica y persuasión (2005).

 

 

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Matriculación: casiopea.um.es  

Información: antonia.martinez11@um.es

 

Precio de matrícula: 50 euros. 

Aparte del diploma acreditativo expedido por el Centro de Estudios Visuales de la Universidad Murcia, a los inscritos en la Universidad de Murcia se les obsequiará con el libro El tiempo de lo visual, de Keith Moxey, publicado por la editorial Sans Soleil.

 

La asistencia es libre hasta completar aforo

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Presentación del libro "En qué estábamos pensando" de Antonio Arcourn:uuid:92f24e0e-aec5-50e8-a35c-645e794f92772017-10-24T09:54:41ZEncuentro El viernes 27 de octubre as las 20h tendrá lugar la presentación del libro "En qué estabamos pensando. Antes y después de la crisis (Entrevistas con filósofos, poetas y creadores), de Antonio Arco. La presentación se realizará en la librería de El Corte Inglés de Murcia. Junto a Antonio Arco introducirán el libro Marta López- Briones, Alberto Aguirre, Miguel Ángel Hernández-Navarro, Ángel Mateo Charris y Esperanza Clares.

 

Este volumen recoge una selección de entrevistas realizadas por Antonio Arco a lo largo de estos últimos años, un trabajo de excepcional interés. Las entrevistas firmadas por él tienen un carácter particular. De entrada, siempre aparece una secreta fascinación personal, que decide el punto de partida. Una extraordinaria curiosidad que se apoya en una amplísima cultura, unida a un generoso talante a la hora de establecer el diálogo. Antonio Arco traza una especie de juego personal de opiniones, preguntas y situaciones de las que el entrevistado no puede sustraerse, dando lugar a un diálogo en el que discurren los tiempos del otro, de su memoria y recuerdo. Pero también el juego más difícil de las posiciones ideológicas frente a los hechos o las novedades de la época, esos cambios que el mundo actual lleva consigo y que no dejan de interrogarnos. En todas ellas asoma el temblor humano que la conversación nos trae, junto a la emoción de quien descubre que la vida del otro no es otra cosa que esa errancia de hechos varios que se cruzan en el camino de los encuentros, pasiones e ideas que se dan la mano en el tejido, siempre frágil, que es la vida. Todo ello al ritmo de un personal estilo de conversar, que asegura a Antonio Arco la fortuna de una valiosa escritura impresionista sobre el mundo actual, visto desde la atalaya que él mismo ha construido para llevar a cabo su trabajo de lúcido observador.

 

 

Antonio Arco es periodista cultural y crítico teatral de La Verdad-grupo Vocento de comunicación. Parte de su trabajo periodístico –entrevistas, artículos de opinión y críticas teatrales– se caracteriza por llegar a los lectores acompañado de las ilustraciones y fotografías realizadas expresamente por creadores entre los que se encuentran Manolo Valdés, Alberto Corazón, Toni Catany, Eva Lootz, Isidoro Valcárcel Medina, Andreu Alfaro, Miguel Narros, José Lucas y Ángel Haro. Creó y dirigió el ciclo de pensamiento La nueva Torre de Babel (Fundación Cajamurcia, 2003-2009). Enseña Estética y Ficción en la UCAM.

 

Entre sus entrevistados han visitado los centros de arte de Verónicas y el CENDEAC artistas y pensadores como Fernando Castro ( Escaramuzas, CENDEAC, Colección Ad hoc, 2003; El espacio inquietante del hombre, CENDEAC, colección Infraleves, 2005; Sainetes, CENDEAC, Colección Ad hoc, 2007; Todo hombre necesita un poco de locura, CENDEAC, colección Infraleves, 2016); Antonio Campillo (Antonio Campillo. Retrospectiva, Colección Sala Verónicas, 2006);Daniel Canogar (Daniel Canogar. Incontable, Colección Sala Verónicas, 2015); Mary Kelly (Mary Kelly. La balada de Kastriot Rexhepy, Colección Sala Verónicas, 2008); Eva Lootz (Mundo, seco, benamor, amarga. Eva Lootz, colección Sala Verónicas, 2003); Liliana Porter (Liliana Porter. Situaciones y diálogos, colección sala verónicas, 2004), Isidoro Valcárcel Medina (Valcárcel Medina. Ir y Venir/Rendición de la hora, colección Sala Verónicas, 2002) o  Andrés Serrano (CENDEAC, 2006).

 

El libro está ya a la venta en el CENDEAC y en las librerías de El Corte Inglés y Diego Marín en Murcia, así como en las librerías de toda España y Latinoamérica. 

 

http://www.laverdad.es/ababol/libros/antonio-arco-20171016005143-ntvo.html

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Full Frame: Presentación del colectivo underphotourn:uuid:7fa37a3e-fb50-5262-b21d-3d271e5f217b2017-10-11T11:39:05ZDebates Presentación del colectivo Underphoto

 

¿Quiénes somos?

 

Underphoto es un colectivo de cinco fotógrafos con un objetivo común, expandir al mayor número de personas posible nuestro incurable amor por la fotografía. Cada uno de nosotros tiene un acercamiento distinto a ella, lo que nos ayuda a todos a enriquecer nuestra visión y nuestro conocimiento.

 

Somos:

 

Gustavo Alemán (Murcia, 1977) fotógrafo y editor. Máster Internacional de Fotografía EFTI. Coordinador y comisario de la galería Gatos de Marte (2009-2012). Autor del libro “(No) soy de aquí” (2013). Miembro del colectivo Omnívore Photo (2012-2016) y codirector del Photobook Club Murcia. Además e editor y cofundador de Fuego Books. En la actualidad, combina sus proyectos personales fotográficos con la docencia.

 www.gustavoaleman.net

 

Agus Bres (Cartagena, 1981) fotógrafo. En 2011 le conceden la beca El Invernadero, un proyecto diseñado y coordinado por la asociación Cienojos para el desarrollo de un proyecto personal durante un año. Es miembro fundador del colectivo Omnivore y pone en marcha el proyecto empresarial La Maquinaria.

Ha realizado diferentes exposiciones colectivas en torno a la fotografía, que combina con su labor docente y de autor.

www.agusbres.com

 

Pepa González (Murcia, 1971) fotógrafa y psicóloga clínica. Estudia Arte en la Universidad de

Murcia y Fotografía Artística en la Escuela de Arte de Murcia. Se especializa en Fotografía Contemporánea.

Ganadora del visionado de porfolio en Photoalicante 2016.

Ha realizado diferentes exposiciones colectivas en torno a la fotografía.

En la actualidad combina el desarrollo de sus proyectos personales fotográficos con la docencia.

www.pepagonzalez.com

 

Pascual Martínez (Murcia, 1977) fotógrafo y gestor cultural. En 2011 le conceden la beca El Invernadero y es a partir de ahí cuando comienza a desarrollar proyectos personales. Su trabajo ha sido seleccionado en Descubrimientos PhotoEspaña 2015 y Encontros da Imagem de Braga (Portugal), además de ser finalista en el Lens Culture BIPA y el 20 Fotopres de La Caixa. Ha sido galardonado con el “Grant for foreign cultural journalists of Romanian Cultural Institute 2015”. Desde 2014 viene desarrollando su proyecto “The tree of life is eternally green” en Rumanía junto con el fotógrafo Vincent Sáez, combinado con su labor como docente.

www.eldelgadoariol.com

 

Vicente Sáez (Alicante, 1976) fotógrafo y gestor cultural. Su interés en la fotografía

contemporánea le ha valido una Residencia en “Casa Velázquez” Madrid para desarrollar su obra personal. Además su trabajo ha sido seleccionado en Descubrimientos PhotoEspaña 2015 y Encontros da Imagem de Braga Portugal, además de ser finalista en el Lens Culture BIPA y el 20 Fotopress de La Caixa. Combina su trabajo como fotógrafo con el diseño y comisariado de exposiciones fotográficas.

www.vincentsaez.com

 

 

¿Qué hacemos?

 

Nuestra misión es calar en los demás, así que desde el principio nos pusimos en marcha con una serie de actividades programadas que van desde talleres de fin de semana como Foto, papel tijera”; creamos “Otra Historia” un curso de cinco meses de duración en el que cada uno de los alumnos desarrollaba un proyecto fotográfico; también nos animamos a hacer “Camperland” un taller de cuatro días sobre ruedas por “la España más vacía” con un éxito rotundo. Como guinda, desembarcamos en el CENDEAC con “Full Frame”, una serie de charlas fotográficas en torno a un autor joven y a la vez con cierta trayectoria, donde no sólo nos hablan de sus procesos creativos, sus proyectos; sino que también nos cuentan cómo llevaron a cabo sus proyectos y cuáles nunca vieron la luz.

Desde hace muchos años, Murcia ha sido un oasis dentro del panorama fotográfico español y tenemos la fuerte convicción de seguir apostando porque nuestra Región siga siendo un referente en la fotografía. Nuestro lema, lejos de sonar a la eterna queja de “en Murcia no pasan cosas…”, es “En Murcia si pasan cosas porque nosotros hacemos que ocurran”, afirma Gustavo Alemán.

 

 

 

 

FULL FRAME: Ciclo de conferencias sobre fotografía contemporánea

 

 

 

Este ciclo de conferencias/encuentros busca introducir a un público general interesado en el arte y en la cultura en las nuevas manifestaciones y visiones de la fotografía contemporánea, mediante el análisis pormenorizado de proyectos fotográficos relevantes y el testimonio de creadores jóvenes que compartan su proceso creativo, sus hallazgos y sus dificultades.

 

Este proyecto está coordinado por el colectivo” Underphoto” y consistirían, entre otros, en los siguientes contenidos:

 

- Una mirada profunda y detallada al trabajo de cada uno de los autores invitados. Comenzando por sus influencias, el análisis pausado de su proceso creativo, culminando en sus resultados finales, incluyendo aquellos proyectos o series que no llegaron a buen puerto. Todo ello guiado por uno de nuestros miembros, que mediante preguntas guiaría el curso de la conversación.

 

- Análisis de la situación actual de la fotografía, a cargo de Underphoto y los profesionales invitados. Este análisis estaría centrado en los proyectos y propuestas más interesantes de la actualidad, en las nuevas posibilidades de difusión y en las tendencias más contemporáneas.

 

La idea es crear un entorno de debate amable, compartir experiencias, mostrar al público nuevas ideas y poner de ejemplo exposiciones, proyectos, fotolibros, etc, que puedan dar pie a experiencias similares en nuestro entorno.

 

 

 

 

 

23 de Noviembre Agus Bres en conversación con MIREN PASTOR

14 de Diciembre Vincent Sáez en conversación con BEGO ANTÓN.

 

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Seminario: Cuerpo y régimen político, en preformance. 3º encuentrourn:uuid:ee26ca66-7ec1-5c24-9319-1043136a2d762017-10-10T12:42:55ZEncuentro  

26, 27 y 28 de octubre de 2017. Todas las jornadas comenzarán a las 18:30h 

CENDEAC

 

 

Seminario sobre usos del cuerpo en los lenguajes artísticos e interrogación de lo que articula ética, estética y mercantilización en estas producciones. 

 

Sesión 1:

 

A partir de Gordon Matta- Clark y Bruce Nauman 

Día: 26 octubre. 18:30h

Conferenciantes: Darío Corbeira y Pablo Posada.

En esta sesión se abordará el trabajo de dos artistas norteamericanos, Gordon Matta- Clark (1943/ 1978) y Bruce Nauman (1941), en su relación con lo performativo y la experiencia del cuerpo y con el cuerpo. Se trata de mundos, obras y posiciones artísticas tan cercanas en el tiempo como alejadas en sus proyectos conceptuales, ideológicos y estéticos. En ambos casos, sin embargo, se dan actitudes y posicionamientos radicalmente fuera de los cánones que hoy dominan el mundo del Performance. Ninguno de ellos es un performer, son otra cosa, probablemente dos artistas que cierran ciclos y puertas, que abren vías creativas de difícil, por no decir imposible, circulación.

 

A contracuerpo. Bruce Nauman y la fenomenología.

Pablo Posada

Quisiéramos presentar algunos aspectos de la obra de Bruce Nauman y mostrar su original relación con la fenomenología, filosofía que ha atravesado todo el siglo XX y sigue, a día de hoy, gozando de vigencia y vigor. Bruce Nauman (Fort Wayne, Indiana, 1941) atraviesa y combina varias prácticas artísticas: desde la performance, y el vídeo, a la escultura y la instalación. Todas ellas ofrecen una determinada revelación al precio de una cierta agresión al espectador. En la obra de Nauman abundan los recorridos laberínticos, claustrofóbicos, las situaciones de vigilancia y de sobrecarga sensorial, las cacofonías, las repeticiones, los contratiempos arrítmicos, los espacios inhóspitos, con formas e iluminaciones profundamente disfuncionales. Instalaciones que el espectador se ve abocado a asumir, a encajar, quiéralo o no, a contracuerpo.

Pero ¿qué relación guarda todo ello con la fenomenología? Si la fenomenología busca revelar las estructuras básicas – limítrofes – de la experiencia mediante suspensión y variación eidética, Nauman obra, con sus instalaciones, un tipo de epojé y variación sui generis que procede a toda una serie de desplazamientos, diferimientos y hetero-localizaciones. Las instalaciones, aun tomando un camino distinto al estrictamente fenomenológico, constituyen potentes dispositivos de revelación de los límites y estructuras del humano vivir. Apostamos pues por interpretar la obra de Nauman desde su íntima relación – más o menos consciente, fructífera en todo caso – con la fenomenología. Lo hacemos en la prolongación de otros proyectos acometidos por Brumaria que se han hecho eco de la perspectiva fenomenológica y le han dado voz en sus colecciones. Nos referimos, señaladamente, a la obra, imponente, de Marc Richir, de quien Brumaria ha publicado dos importantes obras (La contingencia del déspota, 2014. El cuerpo, 2015). Insistiremos en la relevancia de la distinción fenomenológica entre cuerpo vivo (Leib) y cuerpo objetivo (Körper). Como veremos, en torno a esta distinción y sus múltiples declinaciones, exacerbadas en la obra de Bruce Nauman, se juegan temáticas esenciales al arte e incluso a la política.

 

 

Con el cuerpo. Gordon Matta- Clark.

Darío Corbeira.

Con mucha probabilidad Matta-Clark es, de los nacidos a partir de la Segunda Guerra Mundial, el artista mas expuesto y estudiado, sobre todo a partir de los años noventa del pasado siglo. En el enorme material bibliográfico dedicado a su trabajo es difícil encontrar estudios específicamente dedicados a su actividad como performer, a pesar de los intentos de quien fuera su compañera, Jane Crawford, por conformar un estudio riguroso que aborde el trabajo del artista como médium performativo. Ocurre que ella misma sabe que, antes que nada, Matta- Clark fue un activista, una persona totalmente entregada a una continuidad de actividades no institucionales que bebían de la contracultura, el hippysmo, el cine mudo… e intentaban, no imaginar, sino construir un mundo sobre las ruinas que las revueltas del año 68 habían sacado a la luz. 

Su, en términos de tiempo, corta e intensa obra pivotaba sobre ejes temáticos (espacio, tiempo, arquitectura, política, vida cotidiana) que sin pretenderlo constituían y constituyen hoy uno de los discursos más sólidos del arte del Siglo XX. 

Gordon Matta- Clark era antes que nada su propio cuerpo, su propio vehículo, su propio medio. El Cuerpo mattaclrakiano no es el lugar para representar nada, para teatralizar o dramatizar nada, para comunicar nada… es una unidad física que pone en juego y desarrolla acciones variopintas, sin trampas ni cartón. Un mundo de acción y actividad permanente que trabaja en realidad, con realidad sobre la propia realidad; el cuerpo menudo y fuerte del artista trabaja hasta los límites imaginables no para representar o escenificar sino para ejecutar y construir actos del día a día que ponen al descubierto las débiles costuras de la sociedad posindustrial, sus instituciones y sus intereses más perversos y ocultos.  

Aquí entenderemos a Matta-Clark no como un artista que performatea, representa o escenifica, no como un artista visual al uso, sino que lo entenderemos como el portador de un cuerpo en acción que trabaja materializando ideas, esto es, un Obrero, un proletario de la cultura que materializa los procesos de ideación y las ideas de un momento histórico en tránsito. 

 

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Sesión 2

La performatividad y sus límites.

Día: Viernes  27 de octubre. 18:30h

Conferenciantes: Iñaki Estella y Sven Lütticken.

A lo largo de la historia, el performance art siempre ha estado ligado a la idea de transgresión que corporeizaba el impulso radical cobijado tras las vanguardias. Las contradicciones y paradojas que genera la masiva aceptación del performance producen un cuestionamiento de esas ideas  fundamentales. Pero más allá de ello, generan un vínculo con nuestra comprensión de la historia en donde la voracidad y la necesidad de superponer discursos que se convierten en dominantes al instante, es proporcional a la necesidad de relatos que encarnen la historia tal cual se produjo. En esta sesión abordamos los límites de la performances con la intención de ver la amenazas se agazapan tras ella.

 

El performance en la historia del arte español contemporáneo.

Iñaki Estella

Caracterizada por constantes bandazos, la historia del arte español contemporáneo se ha convertido en un ámbito de reflexión en el que mejor quedan representadas las inercias culturales dominantes. Es por ello que este área de conocimiento se puede entender como un espacio especialmente fructífero para ver cómo se ha asentado la “euforia performativa” que parece haberse adueñado de gran parte campo artístico. Durante mucho tiempo, el espacio intelectual español ha se ha abonado para que las prácticas performativas se conviertan en la última esperanza de un campo artístico que languidece por la desidia de quienes encuentran entre su agenda la promoción artística. La bienvenida acrítica parece más bien un “todo vale” que habíamos olvidad con la postmodernidad. 

Esta presentación aborda el papel que ha tenido la performance en el relato historiográfico contemporáneo en España. Pretende analizar los antecedentes historiográficos producidos en el contexto internacional y ver cómo estos han sido replicados en la historia del arte reciente en España. Con ello se pretende poner en cuestión el pretendido carácter de avanzada del medio y así ver cómo éste también puede presentar otros vectores vinculados con las líneas dominantes que caracterizan a la contemporaneidad.

 

Estudio gestural.

Sven Lütticken

La revolución industrial estuvo acompañada del desarrollo del habitus burgués que redujo ciertas formas de subjetividad. Estudiosos desde Richard Sennett a Giorgio Agamben se han oocupado de la atrofia del gesto en la edad contemporánea. Los gestos parecen acabar convirtiéndose en excedentes, pero en esta ocasión no se trata de un plus valor generado en el capitalismo industrial  dependiente de la fuerza del trabajo expresado a través del tiempo de trabajo abstracto, sino que constituyen un excedente semiótico del que el Fordismo ha encontrado dificultades para sacar provecho. Los gestos son efectivos tan sólo en al medida en el que son afectivos; su valor de signo tan sólo puede ser transmutado en valor de cambio porque están infra-y sobre codificados. Resisten la cuantificación a pesar de que invitan al a codificación; de cualquier modo, yerran una vez que se han convertido en visibles como pura convención. La monetarización  del gesto en el capitalismo post-fordista- a través de las patentes y del seguimiento de movimiento- plantea la cuestión de si los gestos pueden aún constituir una fuente de resistencia.

 

La conferencia se realizará en inglés.

 

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Sesión 3:

 

Cuerpo y Régimen político, en Performance. Clausura: Mesa de trabajo.

28 de octubre. 18:30h

Javier Codesal, Iñaki Estella,  Darío Corbeira y Montserrat 

El sábado 28 de octubre clausuramos Cuerpo y régimen político, en Performance, seminario de Brumaria - Cendeac. Convocamos una mesa de trabajo en la que participarán Javier Codesal, Darío Corbeira, Iñaki Estella y Montserrat Rodríguez para debatir lo generado en las sesiones de trabajo que han constituido este seminario.

 

Javier Codesal y Montserrat Rodríguez han continuado con las conversaciones iniciadas en la sede del Cendeac con La Ribot y con Dora García, dando lugar a una diálogo escrito en torno a las cuestiones que se plantearon en un primer tiempo del trabajo dirigido a pensar los usos del cuerpo en el pensamiento artístico y las articulaciones éticas y estéticas de estos modos del lenguaje, pensadas con los discursos estético y psicoanalítico.    

 

Estos textos junto a la documentación generada por Darío Corbeira, Iñaki Estella, Sven Lütticken y Pablo Posada Varela, aportarán los contenidos del debate para el encuentro propuesto y constituirán la publicación recogerá este trabajo. 

 

 

 

 

 

 

 

 

Biografías 

Darío Corbeira, estudió Sociología y Arquitectura Técnica en Madrid. Artista autodidacta, comenzó su carrera a mediados de los años setenta. Su obra de carácter conceptual se vehicula a través de diferentes medios y soportes. Ha expuesto sus trabajos en España y el extranjero. En los años 80 fue técnico urbanista en el Ayuntamiento de Madrid. Ha sido profesor en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Salamanca entre  1992 y 2013, así como de otros centros públicos y universidades privadas. Autor del libro “Construir ... o deconstruir” una selección de textos sobre la obra de Gordon Matta-Clark. Ha sido autor y comisario de “Comer o no Comer”, un proyecto expositivo, cinematográfico y editorial sobre las relaciones entre comida y hambre a través del arte del siglo XX.Publica ensayos críticos en periódicos y revistas especializadas y ha sido conferenciante en diversas universidades de España. EE. UU, Canadá y Alemania. Su última exposición “Permanecer mudo o mentir” puede visitarse en el MUSAC de León asta el 8 de enero de 2016. Es editor / director de Brumaria, un proyecto y una plataforma dedicado al estudio de las relaciones entre arte, estética, política y psicoanálisis. Vive y trabaja entre Madrid y Torrelodones. 

 

Pablo Posada Varela, se licencia en filosofía por la Universidad Autónoma de Madrid, realiza un doctorado sobre la fenomenología de Husserl entre las universidad es de París – La Sorbona y la Universidad de Wuppertal en Alemania. El tema de interés del autor se centra en el acto de la reducción en la fenomenología de Husserl y en la comprensión de lo que pueda significar la concreción fenomenológica. Para ello moviliza los resultados de la mereología husserliana o teoría de los todos y las partes, tratando de revelar la lógica operativa en el acto de la reducción fenomenológica.  Ha realizado varias estancias en el extranjero, fundamentalmente en Colonia, Friburgo, Lovaina y París. Es Miembro Asociado del Círculo Latinoamericano de Fenomenología, de la Sociedad Española de Fenomenología y de la Asociación para la promoción de la fenomenología (que se ocupa de la publicación de la revista Annales de Phénoménologie). Sus temas de interés, siempre desde una perspectiva fenomenológica, van desde la lógica a la política y a la estética. Autor de varios artículos accesibles en academia.edu (https://paris-sorbonne.academia.edu/PabloPosadaVarela ) y de dos libros en proceso de publicación (A contracuerpo. Nauman y la fenomenología. Madrid. Brumaria, y Phénoménologie de la frontière. L'Harmattan. Paris), ha traducido también numerosos textos de fenomenología contemporánea (de Richir fundamentalmente, del que ha sido discípulo directo) del francés al español, así como algunos clásicos de la filosofía y fenomenología españolas (Ortega y Gasset, Gaos, A. Machado) del español al francés. Colaborador de Brumaria, ha participado en el proyecto El arte no es la política, la política no es el arte y ha contribuido a la edición de "La contingencia del déspota" de Marc Richir, asesorando en la traducción y acompañando el volumen con una extensa introducción a la obra del autor. 

 

Iñaki Estella es doctor en Historia y Teoría del arte por la UNiversidad Carlos III de Madrid. Su tesis versó sobre el artista de origen lituano George Maciunas. Entre sus publicaciones destacan “Fluxus” (Nerea, 2012), así como la co edición de “Llámalo performance: historia, disciplina y recepción” y los cuatro primeros volúmenes de “Desacuerdos: Sobre arte política y esfera pública en el Estado Español” (MACBA, 2004-2007). Sus artículos han aparecido en revistas como Ars Longa, Arte, individuo y sociedad o Tropelías. También ha comisariado exposiciones en La casa ENcendida y en el Museo Reina Sofía. Ha sido profesor en la Universidad Carlos III, investigador Fulbright en el Departamento de historia del Arte  la Universidad de Columbia e investigador Alianza 4 Universidades y Juan de la Cierva en la Universidad Autónoma de Madrid. En la actualidad se encuentra desarrollando una investigación sobre la historia del arte en España como disciplina académica así como en la historiografía.

 

Sven Lütticken es profesor de historia del arte de la Universidad Libre de Ámsterdam. Su trayectoria se caracteriza por realizar un profundo cuestionamiento del arte contemporáneo, especialmente de los vectores tradicionalmente vinculados a su contenido utópico. Publica habitualmente en revistas como Texte fur Kunst, e-flux journal, Grey Room y Afterall. Destacamos sus recientes publicaciones en la New Left Review donde se ha centrado en el cuestionamiento del performance art como práctica contemporánea. De entre sus libros destacan: Secret Publicity: Essays on Contemporary Art (2006), donde realiza un análisis de la publicidad y de las asociaciones secretas en la vanguardia, Idols of the Market: Modern Iconoclasm and the Fundamentalist Spectacle (2009), donde abordaba el uso de las imágenes en la iconoclastia religiosa contemporánea, History in Motion: Time in the Age of the Moving Image (2013), donde aborda la producción de historia en una contemporaneidad performatividad mediática. Recientemente ha publicado Cultural Revolution: Aesthetic Practice after Autonomy (2017).

 

Javier Codesal es artista visual y poeta. Sus proyectos pueden incorporar vídeos, fotografías, dibujos o textos. Sus obras siguen varias líneas estrechamente relacionadas entre sí. Lo popular, la oralidad y el canto, así como ciertos elementos rituales, están presentes desde sus inicios en los años ochenta. También ha sido recurrente el tratamiento de lo corporal como lugar de la diferencia, asiento del goce y el erotismo, pero también de la fragilidad, la enfermedad y la muerte. Con lo anterior conecta un interés por el retrato audiovisual, poniendo en práctica modos de aproximación a la intimidad. La infancia, lo patrimonial y la transmisión cultural son otros temas de su interés. Y todo ello desde la perspectiva de ensayar las formas más despojadas del cine. 

El MUSAC mostró en 2015 una antología de su obra titulada “Ponte el cuerpo”; en 2014 inaguró el espacio del MACBA El Gran Vidre con la instalación “Los pies que faltan”; en 2009 La Virreina Centre de la Imatge le dedicó otra retrospectiva bajo el título "Dentro y fuera de nosotros"; y en 1999 expuso en el Espacio Uno del Museo Reina Sofía. Su obra ha sido mostrada en numerosos espacios de arte nacionales e internacionales, festivales, programas de cine y vídeo, así como en diferentes galerías, siendo representado actualmente por la galería Casa sin fin.

Ha publicado los libros de poesía Imagen de Caín (Icaria, 2002), Ha nacido Manuel (Icaria, 2005) y Feliz humo (Periférica, 2009), y el ensayo sobre su obra cinematográfica Dos películas (Periférica, 2010).

 

Montserrat Rodríguez Garzo psicoanalista y Licenciada en Geografía e Historia y Diplomada en Archivos y Documentación. Ejerce la clínica en Barcelona. Desde 1998 estudia  las aplicaciones del psicoanálisis en el ámbito psicosocial y la mecánica de la creación de lenguaje en las psicosis y en los hechos artísticos (MACBA - Forum Salut Mental, 2002-2013). Actualmente investiga la consistencia del lenguaje en sujetos que desencadenan patologías psicosomáticas y en las escrituras artísticas (Diputación Provincial de Huesca – Universidad Menendez Pelayo). 

 

Imparte regularmente seminarios, cursos y conferencias sobre teoría psicoanalítica y sobre arte y estética. Ha publicado Estados de dolor (2012); Esquizofrenias y otros hechos de lenguaje. De la clínica analítica del Macba (2002-2013); 8 cos enganxat. Alex Francés (2013); Los nombres del padre. En torno a Pepe Espaliú (2015); Prova, Javier Codesal (2015), Ponte al cuerpo. Acuerpamientos en la obra de Javier Codesal (2016), Permanecer mudo o mentir. Darío Corbeira (2017) y otros ensayos sobre teoría y clínica psicoanalítica en revistas especializadas. Es miembro de Brumaria.

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Ciclo Perfiles: Enrique Vila-Matasurn:uuid:c1d66e44-ddb5-5954-a776-b934d5184c012017-10-04T07:58:30ZDebates Perfiles es un nuevo ciclo del CENDEAC que en seminarios de dos días de duración busca acercarnos a la obra de creadores fundamentales en el panorama europeo. Este primer encuentro será con Enrique Vila-Matas, sin duda uno de los escritores más destacados de su generación y que de un modo más inteligente se ha acercado al arte contemporáneo.

 

Enrique Vila-Matas nació en Barcelona en 1948. En el 68 se fue a vivir a París, autoexiliado del gobierno de Franco y buscando mayor libertad creativa. Durante estos años subsistió realizando pequeños trabajos para ’Fotogramas’. Publicó su primer libro en 1977. Sus obras son mezcla de ensayo, crónica periodística y novela. Su literatura, fragmentaria e irónica, diluye los límites de la ficción y la realidad. Ha desarrollado una amplia obra narrativa que hasta la fecha ha sido traducida a nueve idiomas. Actualmente es uno de los narradores españoles más elogiados por la crítica nacional e internacional.

 

 

PROGRAMA

 

30 Octubre 18,30h 

Miguel Ángel Hernández Navarro

"La parte del espectador: arte y experiencia estética en la literatura de Enrique Vila-Matas" 

 

En las últimas décadas, se está produciendo un acercamiento cada vez mayor entre la literatura y las artes plásticas. Al mismo tiempo que artistas, críticos y comisarios han apostado por estrategias narrativas a la hora de escribir, mostrar y visualizar su práctica, un gran número de escritores se ha dejado seducir por el arsenal de conceptos y modos de hacer que surge en el mundo del arte contemporáneo. La obra literaria de Enrique Vila-Matas es uno de los ejemplos más ricos y centrales de este acercamiento de mundos. En ella se dan cita varias tradiciones artísticas de la modernidad que se articulan en torno al espíritu de la vanguardia. Esta charla sostendrá que los libros de Vila-Matas operan como espacios de desarrollo del arte y la experiencia estética contemporánea. Lugares en los que el arte funciona de un modo más libre y vinculado a la vida que en los espacios supuestamente artísticos, como el museo o la galería. 

 

 

 

30 Octubre 20h

 Fernando Castro Flórez

"A Murcia se va por ir. [Cosas que aprendí de Chet Baker gracias a Vila-Matas]"

 

Frente a los escritores que establecen una relación de sospecha o desprecio permanente con respecto al arte contemporáneo o aquellos que solamente necesitan de "ilustraciones" (preferiblemente figurativas) de sus narraciones, Enrique Vila-Matas ha demostrado que es posible adentrarse y dialogar en las cuestiones de la estética actual sin caer ni en la sintomatología nihilista ni en la mera fascinación acrítica. Desde libros cruciales como "Bartleby & Cia" hasta "Kassel no invita a la lógica", este escritor ha sintonizado con las artes plásticas en una línea que concede especial importancia al gesto artístico que hace algo apenas con nada. Vila-Matas auto-ficcionaliza y, al mismo, tiempo lanza destellos luminosos o incluso "eléctricos" en los que no tiene miedo a "perder teorías". Sin duda, se trata de uno de los escritores que más capacidad tiene para interpelar a todos aquellos que comprendieron, cuando el urinario ya es "centenario", que carecer de obra puede ser un destino deseado.

 

31 Octubre 20h

Conferencia Enrique Vila-Matas: "Teatro de variedades".

 

 

Lugar ESPACIO 0

Centro Párraga 

C/ Madre Elisea Oliver Molina s/n, Murcia

Entrada libre y gratuita hasta completar Aforo

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Tiempos trastornados: Arte político y prácticas de exposiciónurn:uuid:82573951-de21-5bc1-b2c9-e3ba8ff32e7f2017-09-18T12:09:24ZSeminarios 1º Seminario del Máster en Estudios Visuales. Ponente: Mieke Bal

Catedrática de Teoría de la Literatura en la Universidad de Ámsterdam y directora fundadora de ASCA (Amsterdam  School for Cultural Analysis), sus áreas de trabajo  van desde la Antigüedad clásica hasta la estética migratoria. Entre sus numerosos libros, destacan Endless  Andness (2013), Thinking in Film (2013), Loving Yusuf  (2008), A Mieke Bal Reader (2006), Quoting Caravaggio: Contemporary Art, Preposterous History (1999) o Reading ‘Rembrandt’: Beyond the Word-Image Opposition (1995). Al castellano tiene  traducidos hasta el momento Tiempos trastornados (Akal, 2016), De lo que no se puede hablar: el arte político de Doris Salcedo (2015), Conceptos viajeros en humanidades (CENDEAC, 2009),  Una casa  para el sueño de la razón (CENDEAC, 2007) y Teoría de la narrativa (Cátedra,  2006).  

Mieke Bal también es vídeo-artista y su obra ha sido expuesta a nivel internacional. Sus documentales experimentales sobre la inmigración incluyen A Thousand and One Days, Colony y la instalación Nothing is Missing. Esporádicamente realiza exposiciones como comisaria  independiente.

 

La  obra de Mieke Bal, esencial para comprender el desarrollo de la historia del arte y la cultura visual de la contemporaneidad, se ha acercado a los objetos culturales a través  de una perspectiva interdisciplinaria en la que se dan la mano la teoría literaria, la semiótica, el feminismo, la historia del arte, los estudios culturales y la teoría pos- colonial. El viaje entre  disciplinas  y la comunicación y el encuentro entre  tiempos y espacios diferentes han sido algunas de sus preocupaciones constantes. Sus obras visuales, tanto sus “video-ensayos” sobre lo migratorio como sus “ficciones teóricas” acerca de la locura, la intimidad y los afectos retoman estas preocupaciones y las llevan directamente al espacio de lo visual, desplegando y problematizando cuestiones como la temporalidad, el movimiento, pero  también los encuentros, el diálogo  y la confrontación afectiva.

 

 

En este seminario, su particular modo de análisis de lo visible se centrará en dos cuestiones centrales para el arte del presente: lo político y la exposición. La primera  de ellas, la relación  entre  el arte y lo político, será  trazada a través  de la obra de la artista colombiana Doris Salcedo. La segunda, la reflexión en torno a la exposición y las posibilidades del museo, se construirá par- tiendo  de la experiencia como comisaria de la reciente exposición sobre el diálogo intertemporal entre  Munch y Flaubert  a través  de la propia práctica  artística. Por último, a estas cuestiones se sumará la revisión a otra serie  de temas centrales en la producción teórica  de Mieke Bal, como los límites de lo visible y lo legible, la relación intersubjetiva o, por supuesto, la reflexión sobre la temporalidad de la experiencia artística.

 

 Lunes 2.

 

18:30 h.

Conferencia: No sobre la política, por favor: el poder  político del arte.

 

 

 Martes 3.

 

17:00 h. Proyección  de: Madame B. Film dirigido por Mieke Bal y

Michelle Williams-Gamaker (96 mins).

 

 

18.30 h.

Conferencia: En defensa del shock: animar el museo, ralentizar a los visitantes.

 

 Miércoles 4.

 

18:30 h.

Mesa de debate: La cultura visual: los límites entre  lo legible  y lo visible, lo artístico y lo político, el “yo”y el “tú”.

 

Matrícula: casiopea.um.es

Información: antonia.martinez11@um.es

Espacio 0, CENDEAC. La asistencia es libre hasta completar el aforo.

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Contextos. Carlos Delgado Mayordomourn:uuid:35508263-bb65-5953-9e8d-6746da22c9d72017-09-15T11:45:40ZConferencias Conferencia. Comisariar desde la incertidumbre

Carlos Delgado Mayordomo (Madrid, 1979) es Licenciado en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid. Actualmente es crítico de arte en ABC Cultural, profesor del Grado de Bellas Artes y del Máster de Mercado del Arte en Universidad Nebrija y responsable de exposiciones de la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Las Rozas de Madrid. 

 

Desde 2008 trabaja como comisario independiente en museos e instituciones de España y América Latina, donde ha comisariado, entre otras, las exposiciones: Rare Paintings, post-géneros y Dr. Zaius (2008, Fundación Carlos de Amberes de Madrid; Museo de Arte Moderno de Santo Domingo en República Dominicana; National Gallery of Kingston en Jamaica; Museo de Arte de El Salvador; Museo Antropológico y de Arte Contemporáneo de Guayaquil en Ecuador; Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de Santiago de Chile); Agustí Centelles. La caja de la memoria (2009, Fundación FIArt, Madrid); Sinergias. Arte latinoamericano actual en España (2011, Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo de Badajoz; Museo Gas Natural Fenosa de La Coruña); Julio Alvar. Entre la realidad y el símbolo. 1968-2011 (2012, Fundación MAEC-AECID, Madrid); Storymakers (2013, Galería Paula Alonso / Festival Jugada a 3 bandas – Exposición ganadora del Premio del Público); En ningún lugar. Una memoria alternativa de las torres Hejduk (2013, Fundación Cidade da Cultura de Santiago de Compostela – Exposición ganadora de la I Convocatoria Artistas Novos); Objetos de deseo (2014, Museo Nacional de Artes Decorativas de Madrid); Ciria. Las Puertas de Uaset (2014, Tabacalera Promoción del Arte, Madrid.); José Luis Serzo. Teatrorum (2016, Centro de Arte DA2 Salamanca); Dis Berlin. Homo Sapiens (2016. Centro de Arte Tomás y Valiente, Fuenlabrada); XXVIII Edición de Circuitos de Artes Plásticas de la Comunidad de Madrid (2017, Sala de Arte Joven de la Comunidad de Madrid). Asimismo, desde el año 2015 es el encargado de la sección comisariada One Project dentro de la feria ArtMadrid. 

 

 

Ha desempeñado su labor profesional en el ámbito de la gestión cultural en la Fundación Fondo Internacional de las Artes y en la Fundación Colegios Mayores MAEC-AECID.  Ha trabajado como como crítico de arte en numerosos medios y ha publicado numerosos artículos de investigación en revistas especializadas como Letra Internacional, Descubrir el Arte, Artes. Revista de arte caribeño y Grabado & Edición, entro otras, y ha sido coordinador editorial de la revista cultural Platea. Asimismo, ha colaborado en los libros colectivos Quién y por qué. Anales de las artes plásticas del siglo XXI (Ed. Arte y Patrimonio, 2002); Ámbito. Cervantina. La espacialidad como factor estético (Universidad de Málaga, 2009), Poéticas del desplazamiento (Universidad de Murcia, 2014), Arte Moderno en Palacio. Obras contemporáneas de las Colecciones Reales (Patrimonio Nacional, 2015), entre otros. 

Entrada libre. A las 20h en la biblioteca del CENDEAC

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Cuerpo y régimen político, en performance. Encuentro Dora García-Montserrat Rodríguezurn:uuid:93fdace2-95c5-5208-8750-4b6302147b142017-09-14T08:40:41ZEncuentro Seminario : Cuerpo y régimen político, en performance. 
 
Usos del cuerpo en los lenguajes artísticos e interrogación de lo que articula ética, estética y mercantilización en estas producciones. 
 
1º encuentro: "Reading heartbeat". Dora García y Montserrat Rodríguez. 7 de octubre de 2016, CENDEAC.
 
 
 
 
Montserrat Rodríguez
 
Psicoanalista. Vive y trabaja en Barcelona. Miembro de Apertura (Sociedad para el estudio, investigación y transmisión del psicoanálisis, inscrita en Convergencia). Es también Licenciada en Geografía e Historia (U.B., 1982) y Diplomada en Archivos y documentación (B.N., Madrid, 1984). 
 
En 1998 inicia el estudio de las aplicaciones del psicoanálisis en el ámbito denominado psicosocial (Serveis Personals del Gótic, de l’Ajuntament de Barcelona, y el Museu Barbier-Mueller d'Art Precolombí (1998-2000). Desde 2002 a 2011 ha coordinado el equipo de investigación de una aplicación clínica del psicoanálisis para el estudio de la mecánica de la creación de lenguaje en los hechos artísticos, y en las esquizofrenias y otras psicosis trabajando con personas diagnosticadas de patologías mentales graves (MACBA - Forum Salut Mental de Barcelona). Imparte seminarios, cursos y conferencias sobre teoría psicoanalítica, arte y estética. Desde 1998 desarrolla un trabajo de consultoría con artistas visuales. En 2015 funda INTERVALOS, instituto asociado a Brumaria, para el estudio de la clínica psicoanalítica y sus articulaciones con las ciencias sociales y los lenguajes artísticos
 
 
 
 
Dora García estudió Bellas Artes en la Universidad de Salamanca, y en Rijksakademie de Ámsterdam.
 
 http://www.projectesd.com/images/uploads/CV_Dora_Garca_eng.pdf
 
 
 
 
Seminario organizado por BRUMARIA. A las 20h en el CENDEAC. Sala de la biblioteca.
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Un otoño de libros: Paco Inclánurn:uuid:3be01bc2-6a62-5608-a6b2-a4f41d0fba272017-09-08T10:38:18ZConferencias Conferencia:Incertidumbre

 

UN OTOÑO DE LIBROS es un club de lectura que se acompaña de conferencias a cargo de los autores de los libros seleccionados. La asistencia  a la conferencia es libre hasta completar aforo. Para participar en el club de lectura puedes acudir al CENDEAC o escribir a inscripciones@cendeac.net 

 

Paco Inclán (Valencia, 1975). Editor de la revista de arte y pensamiento Bostezo (www.revistabostezo.com). Autor de los libros de relatos Incertidumbre (Jekyll&Jill, 2016) y Tantas mentiras (Jekyll&Jill, 2015). Coordinador del grupo de lectura de Bombas Gens Centre d’Art (Valencia, 2017). Artista residente en Montalvo Arts Center (California, 2013) y alRaso (Granada, 2016). Proyecto Hacia una psicogeografía de lo rural de la Fundación Campo Adentro (2011). Director del proyecto La radio como herramienta para la construcción de la paz en la frontera colombo-ecuatoriana (2012-2013). Coordinador de La Fira dels Llibres (www.lafiradelsllibres.com). Imparte talleres de escritura creativa y clases de español como lengua extranjera.

 
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Full Frame: Gustavo Alemán en conversación con DANIEL MAYRITurn:uuid:00dad779-269a-5147-941d-6ca794da276d2017-09-06T12:28:19ZDebates FULL FRAME: Ciclo de conferencias sobre fotografía contemporánea
 
 
 
Este ciclo de conferencias/encuentros busca introducir a un público general interesado en el arte y en la cultura en las nuevas manifestaciones y visiones de la fotografía contemporánea, mediante el análisis pormenorizado de proyectos fotográficos relevantes y el testimonio de creadores jóvenes que compartan su proceso creativo, sus hallazgos y sus dificultades.
 
Este proyecto está coordinado por el colectivo” Underphoto” y consistirían, entre otros, en los siguientes contenidos:
 
- Una mirada profunda y detallada al trabajo de cada uno de los autores invitados. Comenzando por sus influencias, el análisis pausado de su proceso creativo, culminando en sus resultados finales, incluyendo aquellos proyectos o series que no llegaron a buen puerto. Todo ello guiado por uno de nuestros miembros, que mediante preguntas guiaría el curso de la conversación.
 
- Análisis de la situación actual de la fotografía, a cargo de Underphoto y los profesionales invitados. Este análisis estaría centrado en los proyectos y propuestas más interesantes de la actualidad, en las nuevas posibilidades de difusión y en las tendencias más contemporáneas.
 
La idea es crear un entorno de debate amable, compartir experiencias, mostrar al público nuevas ideas y poner de ejemplo exposiciones, proyectos, fotolibros, etc, que puedan dar pie a experiencias similares en nuestro entorno.
 
 
 
21 de Septiembre Gustavo Alemán en conversación con DANIEL MAYRIT
 
Daniel Mayrit. Licenciado en Comunicación Audiovisual por la Universidad Complutense de Madrid, ha vivido durante dos años en Copenhague, Dinamarca, estudiando en la Copenhagen University. Tras esta estancia da el salto a Londres, donde se gradúa en fotografía por la University of Westminster. En la actualidad trabaja como profesor de fotografía en el LENS Photography School de Madrid.
 
 
 
Como artista su principal interés recae en la relación entre la imagen documental y la ficción y cómo las interconexiones entre ellas afectan a la manera en que son percibidas por el espectador. Mayrit explora las fronteras entre estas dos prácticas, dando como resultado imágenes difíciles de encasillar dentro de alguna de esas dos categorías, dejando así abiertas preguntas sobre si han sido cuidadosamente preparadas o han sido producto de la fortuna. Para ello, sus proyectos hacen uso del imaginario proveniente de diferentes medios, desde la prensa tradicional a internet pasando por el arte clásico. Su objetivo no es poner en evidencia la artificialidad de todos esos lenguajes o procesos de creación de imágenes, sino cuestionar y desafiar las preconcepciones y expectativas del espectador e invitarle en última estancia a ser consciente de un determinado discurso y agenda.
 
A las 19:30 en el CENDEAC
 

http://www.danielmayrit.com/
 
26 de Octubre presentación del colectivo Underphoto.
23 de Noviembre Agus Bres en conversación con MIREN PASTOR
14 de Diciembre Vincent Sáez en conversación con BEGO ANTÓN.
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Full Frame: Pascual Martínez en conversación con Julio Galeoteurn:uuid:beb5c76e-34c9-5c53-9434-735819a01aba2017-06-08T07:37:48ZDebates FULL FRAME: Ciclo de conferencias sobre fotografía contemporánea




Este ciclo de conferencias/encuentros busca introducir a un público general interesado en el arte y en la cultura en las nuevas manifestaciones y visiones de la fotografía contemporánea, mediante el análisis pormenorizado de proyectos fotográficos relevantes y el testimonio de creadores jóvenes que compartan su proceso creativo, sus hallazgos y sus dificultades.


Este proyecto está coordinado por el colectivo” Underphoto” y consistirían, entre otros, en los siguientes contenidos:


- Una mirada profunda y detallada al trabajo de cada uno de los autores invitados. Comenzando por sus influencias, el análisis pausado de su proceso creativo, culminando en sus resultados finales, incluyendo aquellos proyectos o series que no llegaron a buen puerto. Todo ello guiado por uno de nuestros miembros, que mediante preguntas guiaría el curso de la conversación.


- Análisis de la situación actual de la fotografía, a cargo de Underphoto y los profesionales invitados. Este análisis estaría centrado en los proyectos y propuestas más interesantes de la actualidad, en las nuevas posibilidades de difusión y en las tendencias más contemporáneas.


La idea es crear un entorno de debate amable, compartir experiencias, mostrar al público nuevas ideas y poner de ejemplo exposiciones, proyectos, fotolibros, etc, que puedan dar pie a experiencias similares en nuestro entorno.




22 de Junio Pascual Martínez en conversación con JULIO GALEOTE

http://www.juliogaleote.es/

Julio Galeote

Madrid, 1977. Graduado por la Royal College of Art de Londres (MA Fine Art

Photography), realiza el Máster de fotografía Concepto y Creación en EFTI. Licenciado

en Ingeniería Industrial. Ha expuesto su obra en instituciones como el The

Photographerʼs Gallery y Christieʼs Gallery en Londres, Tabacalera, Centro Centro,

Círculo de Bellas Artes, MACUF, Museo Portugués de Fotografía, etc, y en numerosas

galerías comerciales tanto en exposiciones individuales como colectivas. Ha

participado en ferias internacionales como London Art Fair, ARCO, MadridFoto o

Estampa y ha participado en festivales como Photoespaña, Encontros da imagen y

Fotofestiwal. Ha recibido becas y residencias como la de la Academia de España en

Roma, Transvisiones Miami, La Filature, y ha sido seleccionado en certámenes como

Circuitos de Artes Plásticas de la Comunidad de Madrid, INJUVE, el Concurso de

Fotografía Purificación García y FreshFaced+WildEyed, entre otros. Tiene obra tanto

en colecciones públicas como privadas.

 

 

21 de Septiembre Gustavo Alemán en conversación con DANIEL MAYRIT

26 de Octubre presentación del colectivo Underphoto.

23 de Noviembre Agus Bres en conversación con MIREN PASTOR

14 de Diciembre Vincent Sáez en conversación con BEGO ANTÓN.

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Miradas Cercanas: Ester Travelurn:uuid:6badd290-17d9-58cc-8a87-8db7efaf4a402017-06-08T07:34:21ZConferencias Miradas cercanas es un ciclo organizado en colaboración con la asociación cultural "Fragmentos Suspendidos" que pretende dar a conocerla obra de jóvenes creadores murcianos a través de conferencias en las que los propios creadores explican su trabajo. Se trata de un formato que busca establecer un diálogo con el público y que –a la vez- sirve para que los artistas participantes reflexionen sobre las líneas, influencias y dirección de sus proyectos.

 

Conferencia: Escribir con la luz

 

 

El interés por representar lo inmaterial, lo efímero y lo volátil ha jugado un papel importante en la creación de mi trabajo en los últimos años. Existe una intencionalidad por hacer visible aquellos pequeños detalles que emergen de manera natural en nuestro entorno para darle otra amplitud o visibilidad, en definitiva, una visión artística. Siempre bajo la influencia de las primeras experiencias artísticas y estudios sobre la fotografía más pura y primitiva han intervenido en cada uno de los proyectos que he realizado hasta el momento. Una estética que casi siempre se hace visible por los encuadres o de la propia saturación de las imágenes para intentar acercarla a esa imagen prima. 

Para este ciclo, hacemos una revisión de los diferentes mecanismos e ideas que han ido alimentando cada uno de los proyectos desde el inicio y como la mutación de los diferentes conceptos usados coincide con la presencia de la fotografía ya sea como uso de su archivo, la apropiación, como copia, o directamente como recurso técnico.

En creaciones más recientes, a través de multidisciplinaria de la pintura, fotografía y la instalación, etc. he investigado sobre la proyección de luz en diferentes elementos sobre superficies bidimensionales extrayendo de su materia más compleja su forma e imagen más pura. Estos mecanismos abordan la cuestión de la reproductividad y desdoblamiento de la imagen, su copia y trasferencia a otro plano que puede transmutar en infinitas posibilidades a partir de una sola forma.

 

 

Ester Travel nacida en Murcia, artista plástica licenciada en Bellas Artes por la Facultad de San Carlos de Valencia perteneciente a la Universidad Politécnica de Valencia (UPV) en la promoción 2004-2009. Recientemente -septiembre 2013- presentó el Proyecto Final de Máster, obteniendo así la especialización en Producción Artística por Facultad de San Carlos de Valencia (UPV).

 En este momento participa en el joven proyecto artístico The Butcher Girls of Love U.K. un colectivo creado por jóvenes artistas a nivel internacional que contribuyen a promocionar y exhibir sus trabajos. 

 

A las 19:30h en la sala de la biblioteca del CENDEAC. Entrada libre.

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Miradas Cercanas: Fito Conesaurn:uuid:cdcea7a4-06b3-5022-84fe-1c91a4d4ef472017-05-22T07:40:34ZEncuentro Miradas cercanas es un ciclo organizado en colaboración con la asociación cultural "Fragmentos Suspendidos" que pretende dar a conocerla obra de jóvenes creadores murcianos a través de conferencias en las que los propios creadores explican su trabajo. Se trata de un formato que busca establecer un diálogo con el público y que –a la vez- sirve para que los artistas participantes reflexionen sobre estas líneas y sus proyectos.

Conferencia: Pienso luego insisto. Una aproximación a u sus referentes y sus excusas

En un pasado no tan lejano, a Fito Conesa se le habría ponderado por su condición de rara avis. A las puertas de su nueva exposición monográfica, sin embargo, este heterodoxo intérprete de lo cotidiano destaca como cabeza de un pelotón de artistas cuyos parámetros éticos y estéticos responden a una coyuntura sociocultural única e intransferible. Un aquí y ahora, un zeitgeist, donde los límites entre lo culto y lo popular, lo singular y lo global, se diluyen definitivamente en un océano de narrativas horizontales y fragmentarias. Pero Fito es, de algún modo, un artista irrepetible y único: alguien tan capaz de detectar en el pasado las raíces de un presente distópico como de dibujar un futuro esperanzador a partir del sonido o de su transcripción gráfica en forma de partituras, torrenciales en intención y en deseo. 

 

Así es Fito Conesa, un funambulista de la imagen y el sonido que construye a partir de la mezcla de lenguajes, sensaciones y códigos. Un artista que se dedica a buscar aquellas cosas que pasan desapercibidas a la vista, microgestos o situaciones sin relevancia, para proyectar historias que van calando lentamente, pequeños rompecabezas que amplifican todas las vibraciones que habitualmente no sentimos a causa de su insignificancia o su escaso volumen. Y él las saca a la luz a propósito y exprimiendo todo el potencial del sonido, como si quisiera convencernos de que escuchando los ruidos se puede comprender mejor adónde nos arrastra la locura de los hombres y qué esperanzas son aún posibles. Vídeos, instalaciones proyectivas, conjuntos de pentagramas, partituras, transcripciones fonográficas a partir de una imagen… Nada esencial ocurre sin que esté presente el “hecho” musical. 

 

Con una década de trayectoria a sus espaldas, el artífice de “Waiting time / Wasting Time”  ha ido puliendo su discurso sin abandonar el objetivo final de toda su producción artística: provocar emociones en el espectador, iluminando, de paso, el mapa inabarcable de los sentimientos. Los suyos y los nuestros. Porque para Fito el arte es un proceso de búsqueda abierto a la indagación introspectiva, un laberinto lleno de misterios y secretos, de juegos al azar, de aciertos y de mentiras… que nos afectan a todos por igual. Tal vez por eso sea tan poderosa la sensación de complicidad que a uno le invade cuando se aproxima a cualquiera de sus obras, con independencia del formato que haya escogido.

 

 

Su trabajo es, al final, reflexivo y con frecuencia propone un territorio poético donde el espectador es obligado a volver los ojos hacia los detalles más delicados y los acontecimientos que se extinguen rápido. Pero el suyo también es un arte de carencia y deseo. Buscamos todo cuanto nos falta, todo aquello que la realidad no satisface y que, sin embargo, una vez hallado nos induce al temor a perderlo o al horror de haberlo encontrado. Esta cadencia entre ausencia y deseo aparece en muchos de los trabajos de Fito Conesa, formidables ejercicios de sutileza que nos atraen porque en ellos exploramos miedos humanos -a la muerte, a la separación, al recuerdo- pero también porque sugieren cuanto está ausente en nuestro día a día.

 
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La noche de la memoriaurn:uuid:407d660b-6e00-5e01-8eb6-ab61b68ca0772017-05-17T10:55:01ZEncuentro El próximo sábado día 20 a las 22h en el espacio 0 del Centro Párraga y coorganizado por el CENDEAC y el Centro Párraga celebraremos la noche de los Museos con una actividad –LA NOCHE DE LA MEMORIA-  que nos acerca al tema de la conmemoración para este año: decir lo indecible, la relación entre memoria, historias traumáticas y reconciliación. En este encuentro, 20 personas del mundo de la cultura enseñarán cada una entre 3 fotografías de su propio álbum familiar y nos hablarán de las historias que hay detrás de esas imágenes aproximadamente un minuto de cada una de ellas.  Se trata de crear entre todos un nuevo álbum, de ver cuánto hay de común y cuánto de singular en esas pequeñas historias, en esos recuerdos que a veces se ven en las fotografías y que, en otras ocasiones, se esconden tras ellas. Las fotografías son documentos y testimonios de una época pero es necesario a veces pensar sobre ellas, volver a mirarlas con nuevos ojos, ponerlas bajo la luz del presente.

Las imágenes se proyectarán en un formato gigante y lo que pretendemos es que entre los veinte participantes haya personas de diferentes áreas, trayectorias y vivencias para ello hemos invitado a participar a escritores, artistas, músicos, fotógrafos, actores etc

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Contextos: Ángel Calvo Ulloaurn:uuid:535d7cb5-b15a-554e-a489-1fd7e1d06ac02017-05-09T08:30:30ZConferencias COMISARIAR EN CASA

 

Me he pasado los últimos meses trabajando en una bienal para Lalín, un pueblo de veinte mil habitantes del centro de Galicia. Nací en ese lugar hace casi treinta y tres años y allí he sacado adelante tres de los proyectos que considero iniciáticos para mi carrera. El primero, Un disparo de advertencia, se celebró en septiembre de 2011. La idea era sencilla: siete artistas trabajando en espacios privados y públicos durante una noche. La convocatoria duraba un fin de semana y se convirtió en mi primer comisariado. El segundo duró un año y durante ese tiempo, cada dos meses, bajo el título de Diálogos Improbables, reunía a dos artistas cuyos intereses se encontraban en extremos opuestos y los exponía durante dos horas en un sótano de paredes blancas, bien iluminadas. Ahora he asumido el comisariado de la 13 Bienal, que se celebra en Lalín desde 1993. Inicialmente adscrita a un formato certamen, mi propuesta se ha ido de cabeza a lo que podríamos entender por bienal al uso. 

 

Comisariar en casa no es un ejercicio vanidoso, sino un catálogo breve acerca de la organización de tres proyectos curatoriales de naturalezas muy distintas. Comisariar en casa es poner sobre la mesa una serie de proyectos realizados en la periferia de la periferia. Un lugar como cualquier otro y cuya relación con él, echando mano de Thomas Bernhard, provoca en mí sentimientos encontrados que se podrían definir así: No podemos elegir el lugar de nuestro nacimiento, pensé. Sin embargo, podemos marcharnos de ese lugar de nacimiento si amenaza aplastarnos, marcharnos e irnos de lo que nos matará si dejamos pasar el momento de marcharnos e irnos. 

 

Ángel Calvo Ulloa (Lalín, Pontevedra, 1984) es licenciado en Historia del Arte por la Universidad de Santiago de Compostela y Máster en Arte Contemporáneo: Creación e Investigación por la Universidad de Vigo. Es comisario de exposiciones y escribe habitualmente para medios como El Cultural, Dardo Magazine, A-desk Critical Thinking y Concreta.

Como comisario destaca como hechos iniciáticos el proyecto de intervenciones públicas Un disparo de advertencia (Lalín, Pontevedra) en 2011 o el proyecto Diálogos Improbables en el Espazo NonLugar (Lalín, Pontevedra). Más allá de esto, entre 2011 y 2016 ha comisariado diferentes proyectos para instituciones como MARCO (Vigo), Centro de Arte Alcobendas (Alcobendas), Fundación Granell (Santiago de Compostela), Antiguo Instituto Jovellanos (Gijón), CTB (Ferrol), Palexco (A Coruña) y para galerías como Múrias Centeno (Oporto), L21 (Madrid), JosedelaFuente (Santander) o Rosa Santos (Valencia), entre otros.

Ha sido premiado recientemente en la convocatoria Comisart 2016 para trabajar con las colecciones de La Caixa y MACBA con las que realizará en 2017 el proyecto Bajo el brazo: Entre la palma de la mano y la axila en Caixaforum (Barcelona). Premiado también en Inéditos 2014 por La Casa Encendida, donde realizó la exposición Aprender a caer y en la convocatoria de artes visuales de Can Felipa (Barcelona) en 2015, con la exposición Incluso un paisaje tranquilo.  

Entre las residencias en las que ha participado cabe destacar los proyectos Ende der party en Tokonoma Apartment (Kasel) en 2014; el proyecto Expediçao en la ciudad de Oporto; la International Curator Residency de Fire Station Artists Studios en Dublín en 2015; el programa Komisario Berriak desarrollado en Azkuna Zentroa y ARTIUM dentro de la Capitalidad Cultural Europea de DSS2016 y recientemente ha participado en la Residência Paulo Reis de Ateliê Fidalga en São Paulo.

 

Viernes, 26 de mayo a las 20h. Sala de la biblioteca del CENDEAC

Este ciclo pretende divulgar el trabajo de los creadores murcianos entre críticos, comisarios y responsables de centros expositivos de todo el ámbito nacional. Antes de cada conferencia se organizará un programa de visitas a estudios y visionado de portfolios. Las personas que deseen que Ángel Calvo Ulloa vea su trabajo pueden escribir a editorial@carm.es adjuntando un pdf con su obra y nos pondremos en contacto con ellos 

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Full Frame: Pepa González en conversación con LEAFHOPPER PROJECTurn:uuid:00b560fa-66a5-567f-ae47-08bcbe0046602017-05-09T07:38:31ZDebates FULL FRAME: Ciclo de conferencias sobre fotografía contemporánea

 

 

 

Este ciclo de conferencias/encuentros busca introducir a un público general interesado en el arte y en la cultura en las nuevas manifestaciones y visiones de la fotografía contemporánea, mediante el análisis pormenorizado de proyectos fotográficos relevantes y el testimonio de creadores jóvenes que compartan su proceso creativo, sus hallazgos y sus dificultades.

 

Este proyecto está coordinado por el colectivo” Underphoto” y consistirían, entre otros, en los siguientes contenidos:

 

- Una mirada profunda y detallada al trabajo de cada uno de los autores invitados. Comenzando por sus influencias, el análisis pausado de su proceso creativo, culminando en sus resultados finales, incluyendo aquellos proyectos o series que no llegaron a buen puerto. Todo ello guiado por uno de nuestros miembros, que mediante preguntas guiaría el curso de la conversación.

 

- Análisis de la situación actual de la fotografía, a cargo de Underphoto y los profesionales invitados. Este análisis estaría centrado en los proyectos y propuestas más interesantes de la actualidad, en las nuevas posibilidades de difusión y en las tendencias más contemporáneas.

 

La idea es crear un entorno de debate amable, compartir experiencias, mostrar al público nuevas ideas y poner de ejemplo exposiciones, proyectos, fotolibros, etc, que puedan dar pie a experiencias similares en nuestro entorno.

 

 


29 de Mayo Pepa González en conversación con LEAFHOPPER PROJECT


http://www.leafhopper.eu/

 

A las 19:30h. Entrada libre.

 

22 de Junio Pascual Martínez en conversación con JULIO GALEOTE

21 de Septiembre Gustavo Alemán en conversación con DANIEL MAYRIT

26 de Octubre presentación del colectivo Underphoto.

23 de Noviembre Agus Bres en conversación con MIREN PASTOR

14 de Diciembre Vincent Sáez en conversación con BEGO ANTÓN.

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Ciclo Contextos: Alicia Venturaurn:uuid:8b5e6366-1090-570a-91c8-4a75d5420a6b2017-04-28T08:22:23ZConferencias Relación entre un proyecto de arte y una empresa

 

El arte es una herramienta innovadora y que marca la diferencia 

en las políticas corporativas e institucionales

 

 

Alicia Ventura es comisaria de la Colección DKV,  directora del proyecto cuidArt del Hospital de Dénia Marina Salud y directora del Congreso Internacional de Espacios de Arte y Salud. 

A lo largo de su carrera en el mundo del arte ha conseguido establecer una estrecha relación entre las compañías con las que trabaja y el arte contemporáneo, un compromiso que ha llevado a la Colección DKV a recibir el Premio “A” al coleccionismo corporativo que otorga la Feria Arco en 2014. 

En la base de todas estas relaciones se encuentran los artistas, que desembarcan en las organizaciones como fuente de creatividad e innovación, y por supuesto, las empresas que recurren a ellos no sólo como impulsores de cambios de mentalidad y de modernización, sino también para introducir nuevas estrategias de comunicación, recursos humanos y capacitación. El artista está ligado a su comunidad y busca nuevos caminos para integrarse en ella y aportar su creatividad en proyectos concretos, que mejoren la calidad de vida del conjunto de los ciudadanos o de colectivos concretos.

Además de generar una colección es de vital importancia que un programa de arte empresarial se nutra de otros proyectos como becas de producción, colaboraciones institucionales con organismos tanto públicos como privados, proyectos destinados a la educación en museos, apuestas por la integración de personas con diversas capacidades, etc. 

Es este sentido la Colección DKV es un claro ejemplo de actuación.  

 Antes de cada conferencia se organizará un programa de visitas a estudios y visionado de portfolios. Las personas que deseen que Alicia Ventura vea su trabajo pueden escribir a editorial@carm.es adjuntando un pdf con su obra y nos pondremos en contacto con ellos. 

 

A las 20:00h en la sala de la biblioteca del CENDEAC. Entrada libre

 

 

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Descuentos especiales Feria del libro 2017urn:uuid:056de0b2-19fb-5bdd-9a90-8c739d8589332017-04-17T08:46:42ZNoticias - Publicaciones Feria del libro 2017. Descuentos especiales con ocasión del día del libro

Semanas del 16 al 30 de abril.

Descuentos especiales de pack promocionales haciendo tu pedido a través del correo electrónico publicaciones@cendeac.net. Solicita tu pedido y te enviamos los libros sin gastos de envío. No disponible para pedidos a través de la plataforma on-line.

Títulos de esta promoción

Colección CENDEAC

Pack Artes Visuales: Revistas de estudios visuales: nº 2 al 7: 15€

Pack Artes Escénicas: Repensar la dramaturgia+ Teatro Posdramático: 22€

Pack Materiales de Museología: Dentro del Cubo blanco+ Memorias del Museo: 22€

Pack Infraleves (1): Esto es así…+Los 100 problemas del arte+Achille Bonito Oliva: 10€

Pack Infraleves (2): Daniel Buren+Un contexto heredado+Mapa ingrávido: 10€

Pack infraleves (3): La crítica de la economía+Jan Fabre+Fuego amigo: 10€

Pack +Cultura: Exposiciones Sala Verónicas: Fod+Eduardo Balanza+Ángel Haro+Pablo Genovés+Concha Jerez: 25€

Pack Seminarios: Heterocronías+Contratiempos: 18€

Pack Arquitectura: Privacidad y Publicidad+Tispass: 20€

Pack Sala Verónicas: 10 catálogos: 10€

Pack La Conservera: 10 catálogos: 10€

Títulos de la Colección Sala Verónicas de esta promoción: salaveronicas.es.Catálogos

 

Alejandro Franco. Tempus Fugit 

Alfonso Albacete

Andrés Nagel. 1991-1995

Ángel Fernández Saura. I love N.Y. 1988

Antonio Campillo. Retrospectiva

Antonio Martínez Mengual. Odysseus

Arte dentro del Arte

Aurelio. La Galería de los Espejos

César Álvarez. Text

Eduardo Pérez Salguero. Showtime

El Taller de Pepe Jiménez

Elena del Rivero. Flying Letters

Enrique Marty

FOD. Espacio disponible

Francisco Serna

Gelén Ortín. Abismo

Grete Stern. Sueños

Impurezas

Isidoro Valcárcel Medina. Rendición de la hora

Jesús Segura. Stereo

Juan Carlos Robles Fragmentos urbanos, tu fantasía favorita

Juan José Quirós. Sueños Barrocos

Juan Manuel Díaz Burgos. Piel Canela

Lliana Porter. Situaciones y diálogos

Los Tani

Manolo Belzunce. Suite Rectangulaire

Miguel Fructuoso. El coleccionista de proyectos

Muñoz Barberán

Nico Munuera. Frame Time

Nuestros retratos

Pedro Guirao. File not Found

Pedro Guirao. Tracks

Pedro Ortuño. Fire within, calm without

Rosell Meseguer. Tránsitos, del mediterráneo al Pacífico

Sonia Navarro. Ausentes

Tadeuusz Kantor. La clase muerta

Teresa Isasi

Tomás Mendoza. El tejedor de sueños

Torregar. Ausencia de identidad

Val del Omar y las misiones pedadógicas

Vicente Ruiz. El pintor iniciático

Mary Kelly

Orlan+David Delfin

Louis Bourgeois. La sage femme

 

Títulos de la Colección La Conservera: laconservera.net. Catálogos

Manu Arregui

Eva Rothschild

Círculos ilusionistas. Carolina Silva

Remixes.Arqueología de las pistas de baile. Eduardo Balanza

Lili Dujourie

Greed-Francesco Vezzoli

Loris Gréaud-Cellar Door

Flower floor painting in the fruit factory. Lily van der Stokker

Valentin Carron: Learning from Martigny

Night Flight. Manu Muniategiaandikoetxea

Rosalía Banet: Vanity Fear: Especial Las siamesas Golosas

The black box is orange. Annika Von Hausswolff

Something you can feel. Mickaelene Thomas

Loris Gréaud. Trajectories and destinations. Vol. I

Banks Violette

Marilyn Minter

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Post-Arcadia. Qué Arte, para qué naturaleza?. Curso de Introducción al Arte Contemporáneo. 5ª sesión. Éticas ecológicasurn:uuid:49891311-0de3-588e-b837-43d59857c5e82017-04-11T10:56:40ZConferencias 5. ÉTICAS ECOLÓGICAS

¿Nos asomamos fuera de las murallas de la ciudad humana, intentando una ética extramuros? Y en tal caso ¿qué supone para nuestros sistemas éticos la apertura a los no humanos e incluso a las entidades no vivas? ¿Cómo modifican los asuntos ecológicos nuestro sentido de la responsabilidad? ¿Qué significa para el arte la aparición de nuevos modos de relacionarse con lo natural? ¿Cómo articular ecoéticas ambientales si las temporalidades son tan enrevesadas, incluyendo los efectos a largo plazo? Y si encaramos un colapso ecológico-social, ¿qué hacer? ¿Se tratará acaso, como propone Roy Scranton, de ‘aprender a morir en el Antropoceno’?

Invitado: Jorge Riechmann (Poeta/Matemático/Filósofo/Ecologista). A las 20h. Entrada libre

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Contextos: Peio Aguirreurn:uuid:661d84fb-3160-5228-b0dd-c44de28c20c42017-04-07T11:13:49ZEncuentro  

Conferencia de Peio Aguirre. Estrategias para una crítica de arte expandida y site-specific

Peio Aguirre (1972, Elorrio, Bizkaia) es crítico de arte, escritor, comisario independiente y editor. Vive en Donostia-San Sebastián. Su escritura abarca la teoría, el arte contemporáneo, el diseño y otras expresiones de la cultura popular. Es autor del libro La línea de producción de la crítica (consonni, 2014). Entre 1993 y 1996 programó exposiciones en el AKA Arriola Kultur Aretoa de Elorrio, Bizkaia. Entre 2000 y 2005 codirigió D.A.E. Donostiako Arte Ekinbideak, plataforma curatorial de proyectos artísticos en el espacio público de San Sebastián.

 

Ha publicado en numerosas revistas y periódicos nacionales e internacionales como el Cultura(s) de La Vanguardia, Mugalari, Exit, A-desk, Afterall, A Prior Magazine, Exit Express, Flash Art, El estado mental, e-flux journal, Concreta, entre otros. Ha escrito textos en catálogos y monografías de artistas como Philippe Parreno, Ibon Aranberri, Jon Mikel Euba, Annika Eriksson, Liam Gillick, Martin Beck, Apolonija Sustersic, Fernando Sinaga, Susan Philipsz, Pello Irazu, Wendelien van Oldenborgh, Willie Doherty, Fiona Tan, Txomin Badiola, Armando Andrade Tudela, Francesc Ruiz, Dora García, entre otros. Ha comisariado las exposiciones Imágenes desde el otro lado, CAAM, Las Palmas de Gran Canaria (2007); Arqueologías del Futuro, sala rekalde, Bilbao (2007); Asier Mendizabal, MACBA, Barcelona (2008); “Scenarios about Europe”, dentro del proyecto Europe (n), Galerie Für Zeitgeitnossische Kunst, GFZK, Leipzig; Néstor Basterretxea, Forma y Universo, Museo de Bellas Artes de Bilbao (2013); Constelación Europa, Museo San Telmo (2013); Arenzana Imaz Intxausti Peral Montón (con Beatriz Herráez), Tabakalera, San Sebastián (2016); “Respiración artificial. Performance. Eco oscuro”, con Dora García, IVAM Institut Valencia d’Art Modern. Valencia; Una modernidad singular. “arte nuevo” alrededor de San Sebastián 1925-1936, Museo San Telmo (2016); Juan Pérez Agirregoikoa, Artium, Vitoria-Gasteiz (2017), entre otras. 

 

Con el sello co-op y ha publicado monografías de los artistas Asier Mendizabal, Xabier Salaberria, Juan Pérez Agirregoikoa, dos libros de artista de June Crespo, y también otros materiales impresos. Desde 2006 escribe crítica cultural en su blog Crítica y metacomentario.

 

A las18:30h en CENDEAC

Las personas que deseen que Peio Aguirre vea su trabajo puede escribir al correo editorial@carm.es adjuntando un pdf con su obra.

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Post-Arcadia. Qué Arte, para qué naturaleza?. Curso de Introducción al Arte Contemporáneo. 4ª Sesiónurn:uuid:43b08b3b-aab4-5007-8f09-011864b7a0312017-04-07T11:11:10ZConferencias 4. ESPECTADORES EXTRAÑOS

¿Cómo nos confrontarnos con lo extraño? ¿Qué pasa con el lenguaje cuando nos encontramos con algo que no podemos nombrar? ¿Cuándo nuestros mecanismos de percepción y clasificación ya no funcionan? ¿Qué surge de ese encuentro? ¿Cómo podemos dialogar con entidades no humanas? ¿Cuál es la agencia de los objetos? ¿Cómo dejar a los objetos confrontarnos con nuestros más profundos deseos y miedos? ¿Y si nos olvidamos de la idea del espectador? ¿Cómo podemos ir más allá del reino de lo posible y entrar en el reino de la potencialidad? ¿Qué papel juega la indiferencia en todo esto?

Invitada: María Jerez (Artista). A las 20h. Entrada libre

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Post-Arcadia. Qué Arte, para qué naturaleza?. Curso de Introducción al Arte Contemporáneo. 1ª Sesión Post Urbanourn:uuid:263219eb-87d8-5678-b44b-7129b9f7126b2017-04-06T09:17:01ZConferencias 1. POST-URBANO

¿Cómo han afectado las nuevas nociones de naturaleza a nuestra manera de entender las ciudades? ¿Cuáles han sido las reinterpretaciones de las tensiones entre el exterior y el interior de la ciudad en el marco del desmantelamiento de la separación entre cultura y naturaleza? ¿Qué es hoy una ciudad bajo la condición translocal, la multiescalaridad de los fenómenos urbanos y la disolución de los contornos físicos de lo urbano?

 

Andrés Jaque es artista, arquitecto y académico en Nueva York y Madrid. Es fundador de la Oficina de Innovación Política, que desarrolla la práctica de trabajos en la que convergen disciplinas de investigación, política y diseño. Ha recibido el 10º premio Frederick Kiesler, el León de plata al mejor proyecto investigador en la 14ª edición de la Bienal de Venecia; Ha sido Tessenow Stipendiat de la Toepfer Stiftung, ganador del premio Dionisio Hernández Gil y galardonado diseñador del año de la revista Architectural Record.

Es doctor en Arquitectura por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid (ETSAM), Profesor de la Universidad de Columbia en la Graduate School of Architecture (GSAPP) y profesor visitante en la Escuela de Arquitectura (SoA) de la Universidad de Princeton. Entre sus publicaciones se encuentran los siguientes títulos Everyday Politics, SUPERPOWERS OF TEN, PHANTOM.  Mies as Rendered Society, Different Kinds of Water Pouring into a Swimming Pool o Dulces Arenas Cotidianas.

 

Su trabajo ha sido expuesto en el Museo de Arte Moderno (MoMA), ZKM Kalsruhe, MAK Austrian Museum en Viena, CalArts Center for Contemporary Arts, Schweizerisches Architektur Museum en Basel, Z33 Hasselt, the Cité de l'Architecture et du Patrimoine de París, JUMEX Museum, Tel Aviv Museum of Arts, Mostra di Architettura de la Bienal de Venecia, Gwangju Biennale y Lisbon Architecture Triennale, el Chicago Architecture Biennial y el London Design Museum.

A las 20h. Entrada libre hasta completar el aforo.

 

Ya puedes ver la conferencia en Vimeo: https://vimeo.com/211033623

 

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Post-Arcadia. Qué Arte, para qué naturaleza?. Curso de Introducción al Arte Contemporáneo. Sesión finalurn:uuid:176bf7bd-cd08-5a06-9749-230e613071ce2017-03-31T10:19:38ZCursos El ciclo se cierra con una sesión de debate público con la participación de José María Torres Nadal, Iván López Munuera y Lorena Amorós.

 

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Otra historia. Presentación de proyectosurn:uuid:03641afe-2d55-5583-bbc9-a3c31121ddf32017-03-07T13:47:49ZCursos "Otra Historia" es un curso cuatrimestral donde el protagonista es el alumno y su proyecto fotográfico. 

 

El 21 de marzo se presentan los resultados de este curso, con las fotografías de Gloria Jiménez, Isabel Meca, Paco Sánchez, Ramón Romero, Isaac Rupérez y José Luis Carrillo.

 

"Otra historia" es una iniciativa de Underphoto en colaboración con el CENDEAC.

 

A las 19:30h en el espacio 0 (caja escénica). Entrada libre hasta completar el aforo.

 

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Contextos: Blanca de la Torreurn:uuid:bf8190dc-fe18-5b93-8e60-047dad6beb342017-03-07T09:00:34ZConferencias Contextos

 

El comisariado. Instrucciones de uso. Por Blanca de la Torre

 

El título de la charla hace un guiño irónico al concepto de comisariado como algo útil, jugando con la idea de el arte como el ámbito donde todo es posible aunque nada es necesario. De la Torre hablará del comisariado como conjunto de fórmulas o dispositivos para contar ideas, crear narraciones y desarrollar historias. A partir de una selección de algunos de sus proyectos, la comisaria hablará de sus intereses en relación a la ecología política, economía de la cultura, procesos de hibridación cultural y formatos alternativos de organización social, así como iteraciones de estas preocupaciones temáticas. Comentará algunos de los formatos que ha desarrollado en su práctica curatorial, que alteran los códigos habituales tanto en la escritura como en exposiciones o cualquier tipo de formato expandido.

 

A las 20h en CENDEAC

 

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Post-Arcadia. Qué Arte, para qué naturaleza?. Curso de Introducción al Arte Contemporáneo. 9ª Sesión: Architectura Amandiurn:uuid:5b6d9e49-408c-56e7-a7cd-301f647c89ba2017-03-02T09:03:36ZConferencias 9. ARCHITECTURA AMANDI

¿Existe una erótica del espacio? ¿Pueden ser la experiencia, el deseo o los límites del cuerpo materias arquitectónicas? ¿Cómo edifican sus arquitecturas autores como Bastide, el Marqués de Sade o Sacher-Masoch, desde la ficción? ¿Cómo son las arquitecturas libertinas y qué podemos aprender de ellas? ¿Qué lenguajes, instrumentos y estrategias movilizan? ¿Qué principios de instalación despliegan? ¿Qué ecologías erótico-políticas se movilizan desde estos espacios de galantería y obscenidad?

Invitado: Uriel Fogué (Arquitecto)A las 20h. Entrada libre

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Post-Arcadia. Qué Arte, para qué naturaleza?. Curso de Introducción al Arte Contemporáneo. 7ª sesión: (Post)humanos y redesurn:uuid:99d7fdbb-27b9-57bb-9314-96d1b09c98cf2017-03-02T08:58:53ZConferencias 7. (POST)HUMANOS y REDES

Desde una mirada antropológica, ¿cómo está cambiando “lo humano” en la cultura-red?, ¿qué ensamblajes humanos y máquinas son significativos en espacios tradicionalmente privados y ahora conectados? ¿Cómo se transforman las formas de presentación y representación del sujeto? ¿Qué supone vivir “al lado de nosotros mismos” y de nuestras ficciones?, ¿cómo se transforman los vínculos y las formas de colectividad en la red? ¿Cómo (nos) cambian las maneras de producción y prosumo cultural? ¿Qué lecturas políticas se deducen para los sujetos conectados?, ¿Qué puede (si algo puede) el arte en una sociedad conectada?

Invitada: Remedios Zafra (Antropóloga). A las 20h. Entrada libre

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Post-Arcadia. Qué Arte, para qué naturaleza?. Curso de Introducción al Arte Contemporáneo. 6ª sesión: Animales no humanosurn:uuid:283bc928-5df4-5139-94c6-cdacbd34757c2017-03-02T08:56:55ZConferencias 6. ANIMALES NO HUMANOS

¿Cuáles son las demandas éticas que es necesario formular en el escenario de las comunidades compuestas por animales humanos y no-humanos? ¿Qué posibilidades de mediación con otros animales se abren para el arte y el diseño contemporáneos? ¿Cómo dar voz a los demás animales? ¿Qué significa dar derechos a los no-humanos? ¿Por qué la atribución de derechos naturales a la especie humana se ha asignado en virtud de la capacidad inteligente y no de la de rumiar, volar o nadar?

Invitado: Thomas Thwiates (Artsita/Diseñador). A las 20h. Entrada libre

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Post-Arcadia. Qué Arte, para qué naturaleza?. Curso de Introducción al Arte Contemporáneo. 3ª sesión. Tecnogénesisurn:uuid:38fb58cb-f9c0-5511-8bc8-92be035fc00e2017-03-01T13:53:06ZConferencias 3. TECNOGÉNESIS

¿Qué ensamblajes podemos reconocer entre humanos, animales no humanos, seres ficcionales, tecnologías, cuerpos inertes, paisajes, instituciones o instrumentos normativos? ¿Cómo están asociadas todas estas entidades? ¿Cómo está garantizada su representación? ¿Qué escenarios de poder y de derechos pueden localizarse en las redes relacionales formadas por una multitud de agentes heterogéneos? ¿Cuáles son sus agencias y sus modos de performar?

Invitada: Izaskun Chinchilla (Arquitecta). A las 20h. Entrada libre

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Post-Arcadia. Qué Arte, para qué naturaleza?. Curso de Introducción al Arte Contemporáneo. 2ª Sesión. Narrativas, relatos y ficcionesurn:uuid:d43daa94-07ab-5482-8f02-ebed084197892017-03-01T13:50:36ZConferencias 2. NARRATIVAS, RELATOS Y FICCIONES

¿Qué aporta la dimensión ficcional a nuestra visión de la naturaleza? ¿Qué papel juega el arte en la producción de relatos sobre la naturaleza? ¿Podemos hablar de una responsabilidad ética del arte asociada a la producción de estas narrativas? ¿Son estas narrativas un patrimonio exclusivo de los humanos? ¿Cómo amplian estas ficciones las posibilidades de lo real?

Invitado: Joan Fontcuberta (Artista). A las 20h. Entrada libre

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Miradas Cercanas: Pablo Lambertosurn:uuid:4d13d57f-0989-57ae-b798-cc2b11502c312017-02-17T09:51:59ZEncuentro Miradas cercanas es un ciclo organizado en colaboración con la asociación cultural "Fragmentos Suspendidos" que pretende dar a conocerla obra de jóvenes creadores murcianos a través de conferencias en las que los propios creadores explican su trabajo. Se trata de un formato que busca establecer un diálogo con el público y que –a la vez- sirve para que los artistas participantes reflexionen sobre las líneas, influencias y dirección de sus proyectos.

 

 

Pablo Lambertos (Los Alcázares, Murcia. 1978)


Diplomado, por la  Escuela de Fotografía e Imagen  C.E.U. San Pablo–Cardenal Herrera de Valencia en  1999, continuó sus estudios con la Licenciatura en Bellas Artes por la  Facultad de Bellas Artes de San Carlos, U.P.V, Valencia.  2002.


 Entre sus premios y reconocimientos,  destacar el 1º  Premio de Fotografía en Color, “Concurso de Fotografía U.P.V” 1998, el 1º  Premio de Pintura   “XXI Concurso de Pintura del Colegio de Agentes Comerciales de Valencia” año 2002, el 1º Premio (ex aequo), “XX Concurso de Pintura Vila de Teulada”(catálogo) en 2003, la  1ª Medalla de Honor, “V Premio Cámara de Comercio de Murcia”(Catalogo)2003,  la selección en  “Premios Bancaja   Pintura 2003”(catálogo),   Seleccionado “ IV Premio de Pintura Real Academia de San Carlos”.(catálogo)  Seleccionado en el programa “Art  Aldaia, Creació Artística”, exposición individual en 2004 (catálogo). Seleccionado en el “XXXI Concurso Nacional de Pintura Villa de Fuente Álamo”. Seleccionado “1º Certamen Fons d´Art” Univ. Polit. de Valencia, el   1º Premio “Crea Joven”, Pintura Ayto de Murcia en  2004, el Accesit “Crea Joven”, Pintura, Ayto de Murcia, en 2006,el1º Premio “Crea Joven” Artes Plásticas Ayto de Murcia, en 2007, la  Mención de Honor  XXXV Premio Ayto de Fuente Álamo en 2010, el 1ª Premio “XII Premio Cámara de Comercio” de Murcia. En 2010, y 1º Finalista “XXXIX  Concurso de Pintura Villa de Fuente Álamo”.

 

 

A las 19:30h en la sala de la biblioteca del CENDEAC. Entrada libre

 

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Miradas Cercanas: Aisa Boaaurn:uuid:96d12404-8032-5ff2-a93a-f8b9572672a12017-02-17T09:51:41ZEncuentro Miradas cercanas es un ciclo organizado en colaboración con la asociación cultural "Fragmentos Suspendidos" que pretende dar a conocerla obra de jóvenes creadores murcianos a través de conferencias en las que los propios creadores explican su trabajo. Se trata de un formato que busca establecer un diálogo con el público y que –a la vez- sirve para que los artistas participantes reflexionen sobre las líneas, influencias y dirección de sus proyectos.

 

Participantes:

 

Aisa Boaa:  3 Abril de 2017

 

Pablo Lambertos:  24 de Abril de 2017

 

Ramón Lez:  15 mayo de 2017

 

Fito Conesa:  22 de Mayo de 2017

 

Ester Travel:  29 Junio de 2017

 


Aisa Boaa

 

Aisa Boaa, natural de Cartagena, comienza a mostrar interés por el mundo del arte desde su infancia, acercándose a la escritura, la danza y la pintura. Esta última la aprende en el taller de su padre a lo largo de ocho años. En 1997 se licencia en arte dramático en la escuela Superior de Murcia y es a partir del año 2002, tras hacer acopio de diversas disciplinas, cuando encuentra en el Arte de Acción y la Danza Butoh los soportes con los que la artista se proyecta y donde encuentra su expresión más auténtica.
 
Siendo un trabajo ecléctico en contenidos y expresión, ya que ha continuado cultivando la plástica e incluso ha incursionado en el mundo sonoro, diríase que su obra se caracteriza por el empleo de la poesía en su expresión más conceptual, y de una sencilla puesta en acción en la que el cuerpo es instrumento principal.
 
De sus obras podemos destacar la video-acción El C. de O. exhibido en el salón de la crítica de Murcia (2006). Posteriormente fue seleccionada por Bartolomé Ferrando para participar en el primer Festival de Performance de Murcia “6 cuerpos”. En 2010 participa en los paralelos de la Bienal de arte contemporáneo itinerante Manifesta8 con su obra ENC8UCIJADA, en la que hizo partícipe a un colectivo de mujeres marroquíes, apoyadas por una instalación, dándoles voz y protagonismo. En el mismo año presenta una pieza de danza Butoh en la tercera edición del festival de Barcelona en Butoh, para colaborar posteriormente con Yumino Seki en el festival de arte Coastal Currents de Hastings, UK.
 
Actualmente se encuentra conjugando su trabajo como creativa y performer en la obra Frida; Trazos de un mar interior, estrenada en Sevilla a principios de 2016, y en la muestra de autores contemporáneos de Alicante del mismo año. 
  
http://aisaboaa.wixsite.com/this-way
 
A las 19:30 en la sala de la biblioteca del CENDEAC. Entrada libre
 
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Miradas Cercanas:Ramón Lezurn:uuid:0f6d52b8-bb7a-53e7-b548-6acece2a85062017-02-16T13:34:43ZEncuentro Miradas cercanas es un ciclo organizado en colaboración con la asociación cultural "Fragmentos Suspendidos" que pretende dar a conocerla obra de jóvenes creadores murcianos a través de conferencias en las que los propios creadores explican su trabajo. Se trata de un formato que busca establecer un diálogo con el público y que –a la vez- sirve para que los artistas participantes reflexionen sobre las líneas, influencias y dirección de sus proyectos.
 
Ramón Lez (Mula, Murcia, 1977)
 
Artista multidisciplinar que desarrolla su trabajo en la pintura, videoarte, instalación, escenografía y cine. En la
actualidad cuenta con casi una decena de exposiciones individuales en su región natal, Murcia, Nueva York,
Puerto Rico, Shangai y otras tantas participaciones colectivas en España y otros países.
Ha participado en ARCO en dos ocasiones y CIRCA en Puerto Rico en el ámbito de ferias internacionales de Arte
contemporáneo, y en numerosos festivales de cine nacionales e internacionales.
 
A las 19:30 en la sala de la biblioteca del CENDEAC. Entrada libre
 
 
 
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Desplazamientos. Arte latinoamericano en España. Centralidad y periferiaurn:uuid:cb2964df-2365-5a24-8799-ba09800dc52e2016-11-16T13:37:09ZConferencias 2ª Sesión. Ultramar sur. Patrick Hamilton

 

 

El trabajo de Patrick Hamilton desarrollado en fotografía, collage, objeto e instalaciones, comprende una reflexión en torno a los conceptos de trabajo, desigualdad, arquitectura e historia en el Chile de los últimos 50 años; en particular en el Chile de la postdictadura. En este sentido, supone una reflexión estética sobre las consecuencias de la “revolución

neoliberal” implantada en Chile durante los años 80 y su proyección en el campo social y cultural desde entonces hasta ahora. Sus preocupaciones van desde el estudio de ciertos fenómenos urbanos de desarrollo y especulación así como al trabajo con ciertos

mitos históricos vinculados al Chile de las últimas décadas. Utiliza la intervención y manipulación de objetos cotidianos como herramientas de trabajo manual, que se utilizan en la construcción, elementos vinculados a la arquitectura y a la publicidad.

 

ULTRAMAR SUR, su conferencia dentro del ciclo DESPLAZAMIENTOS, consistirá en una introducción a su trabajo y en particular a dos proyectos sobre los "mitos del oro nazi" que nos permitirán profundizar en los conceptos que dichos proyectos problematizan, como es el de historia a través de la dicotomía documento/ficción y el concepto de inmigración (alemana en este caso).

 

La conferencia será presentada y contará con una introducción a cargo de Miguel Ángel Hernández

 

 

 

Patrick Hamilton vive y trabaja en Madrid. Es Licenciado en Artes por la Universidad de Chile. En 2007 recibió la Beca Guggenheim, otorgada por la John Simon Guggenheim Memorial Foundation, New York. En el año 2006 realizó una residencia en el International Studio & Curatorial Program (ISCP) de New York.

Su trabajo ha sido exhibido en numerosas exposiciones individuales y colectivas en Chile y en el extranjero. Su más reciente exposición individual “Black Tools” se exhibió en The 9,99 en Ciudad de Guatemala. Sus exhibiciones incluyen: “Space to Dream: Recent Art from South America”, Auckland Art Gallery, Auckland, New Zeland (2016); “Progreso”, individual, Galería Marta Cervera, Madrid, España (2015);  “Beleza?”, Centro Cultural Sao Paulo (2015); “Proyecto Lanz”, individual, FLORA Ars+Natura, Bogotá, Colombia (2014); “Beyond the supersquare”, The Bronx Museum of the Arts, New York, USA (2014); “Slow Future”, Centre for Contemporary Art Ujazdowski Castle, Warsaw, Polonia (2014); “Progreso”, individual, Museo de Arte Contemporáneo (MAC), Santiago (2013); “Dirupted Nature”, Museum of Latin American Art (MOLAA), Long Beach, CA, USA (2013); Pabellón de la Urgencia, Bienal de Venecia, Italia (2013), “Ultramar Sur”, individual, Paco das Artes, Sao Paulo, Brasil (2012); “Now: works from The Jumex collection”, Centro Cultural Cabaña, Guadalajara, México (2011); Dublin Contemporary, Dublin, Irlanda (2011), “Máxima tensión”, individual, Galería Baro, Sao Paulo, Brasil (2011), Bienal de Curitiba, Brasil (2011 y 2007), Bienal de Arte y Arquitectura de Canarias, España (2009), Bienal de La Habana, Cuba (2009 y 2003), Bienal de Praga, Rep. Checa (2005), Bienal de Sao Paulo, Brasil (2004), Bienal do Mercosur, Porto Alegre (1999), entre otras. 

 

Su trabajo está presente en colecciones públicas y privadas, entre ellas, La Colección Júmex, México DF, The Space Collection, Irvine, CA, USA, El Museo del Barrio de Nueva York, Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago y el Museo DKM de Duisburg en Alemania, Museo de Arte Contemporáneo do Centro Dragao do Mar, Fortaleza, entre otras.

 

A las 19:30 en CENDEAC, biblioteca. Entrada libre hasta completar el aforo

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Desplazamientos. Arte latinoamericano en España. Centralidad y periferiaurn:uuid:f32472e1-16b3-52fe-9206-7771e225c5532016-11-03T12:30:35ZConferencias El Otro soy Yo

Arte Contemporáneo y colonialismo

Conferencia de Iván de la Nuez

 

A diferencia del colonialismo o el neocolonialismo, el postcolonialismo se presenta como una acción afirmativa de los otros. Así, es posible reconocerse como un especialista en estudios postcoloniales sin tener que asumirse como un “postcolonialista”. Y cualquiera puede presumir de dominar unos temas, incluso unos territorios, pero jamás reconocerá que los está “postcolonizando”.

Desde Los Magos de la tierra hasta exposiciones más recientes, se ha afianzado la persistencia de esa marca y el inalterable reparto de unos roles en los que la cultura periférica es explicada por instituciones o comisarios del Primer Mundo. Con esa mezcla de afán redentor y crítica a los centros desde los mismos centros, de sublimación del irracionalismo y revitalización de unas fantasías exóticas que ya había despachado Edward Said en Orientalismo o en Cultura e Imperialismo, se ha encumbrado este género que bien podríamos definir como la Exposición Postcolonial. Desde esta, es perceptible, un neofolclorismo que le adjudica a la periferia su tarea como reserva cultural de un Occidente varado en el fin de la historia. 

La crítica a esta situación no ha sido bien recibida en los últimos años. En buena medida, porque hablamos de un colonialismo de buenas intenciones que se despliega en nombre de la emancipación de los “condenados de la tierra”. También, porque es difícil contrarrestar a un poder que se asume como subalterno y a unos centros que se autoproclaman como periféricos. Pero esa crítica, precisamente, es la que alienta el recorrido de esta charla. 

 

Iván de la Nuez (La Habana, 1964) es ensayista, crítico y curator.

Entre sus libros se encuentran La balsa perpetua (1998); Paisajes después del Muro (1999), El mapa de sal (2001); Fantasía Roja (2006); Crítica del futuro (2006); Inundaciones (2010) y El comunista manifiesto (2013). Estos libros han sido traducidos a diferentes idiomas y publicados en editoriales como Mondadori, Península, Debate, Periférica, Surkhamp, Galaxia Gutenberg, Castelvecci o Angelus Novo. 

Ha sido curator o co-curator de exposiciones como La isla posible (1995); Inundaciones (1999); Parque humano (2002), Banquete (2003); Postcapital (2006), De Facto. Retrospectiva de Joan Fontcuberta (2008); Dentro y fuera de nosotros. Retrospectiva de Javier Codesal (2009); La Crisis es Crítica (2009); Atopía. El arte y la ciudad en el siglo XXI (2010); e Iconocracia (2015).

 

A las 19:30 h en CENDEAC. Entrada libre

 

 

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Fran Becares: El fotógrafo honesto. Ciclo "Miradas Cercanas"urn:uuid:04589119-b72f-5db9-a4ff-6b1d18fcc0d72016-11-02T11:38:29ZConferencias El fotógrafo honesto

 

Dentro del ciclo MIRADAS CERCANAS organizado por la asociación cultural Fragmentos suspendidos en colaboración con el CENDEAC que busca dar a conocer a nuevos valores de las artes plásticas de la región de Murcia se presenta el trabajo del joven fotógrafo Fran Bécares que, en especial nos hablará de su serie "Seres Vivos". Se trata de un trabajo que explora a través de la fotografía la profunda vinculación entre seres humanos y medio natural, integrando ambos elementos de una manera orgánica, pues el hombre es un ser vivo y, como tal, forma parte de la naturaleza. Becares realiza estas obras investigando y desarrollando la técnica de la doble exposición "In camera" que permite una estética y plasticidad ideales para desarrollar el proyecto.

 

 

 

 

Francisco Bécares López

(Palencia, 1985)

Afincado en Murcia desde 1991.

 

CV

· Exposición Individual Serie “seres vivos” en “Andarique” Murcia 2016

· Exposición Individual Serie “seres vivos” en “El Taller” Murcia 2015

· Exposición colectiva itinerante seleccionados Premio Artes Visuales UMU 2014 y 2015

· Primer premio en Creajoven Fotografía, Murcia 2013

· Fotografía ganadora con primer premio en concurso nacional "Pikolinos Maasai", Madrid 2013

· Primer premio en maratón fotográfico de  "La Verdad", Murcia 2012

· Finalista en Creajoven. Exposición Colectiva en LAB, Murcia 2012

· Accésit Concurso "Recorridos Urbanos" Obra expuesta permanente en “One Shot Hotel, Prado 23″, Madrid 2012

· Segundo puesto en la clasif. global de votaciones concurso internacional "Fotoligamen", Murcia 2012

· Primer premio en concurso de fotografía “Una foto romántica”. El Corte inglés, Murcia 2011

 

Página web http://franbecaresfotografia.es/seriesarte/

 

Lunes 7 de noviembre 19,30h en Sala biblioteca del CENDEAC. Entrada libre

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