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“DICHO Y HECHO.
VI Curso de Introducción al Arte Contemporáneo.
De la mano de sus protagonistas: la voz de los que saben lo que hacen".
CENDEAC. Murcia.
19 de Enero al 5 de Abril de 2016.
Director del curso: Fernando Castro Flórez.
Profesor Titular de Estética y Teoría de las Artes de la Universidad Autónoma de Madrid.
En el este Curso de Introducción al Arte Contemporáneo se da la palabra a los creadores con la conciencia de que son los agentes principales no sólo de la “construcción artística” sino uno de los factores decisivos de la teorización. Frente a ciertas posiciones que tratan de silenciar o marginalizar anecdóticamente el discurso de los artistas, en estas lecciones se mostrará que los creadores tienen planteamientos teóricos absolutamente articulados. Se trata, por tanto, de subrayar la importancia que tiene para la investigación artística tomar en cuenta lo que dicen y hacen los artistas porque en sus obras y declaraciones se encuentra el material vertebral de todo tipo de configuración histórica o crítico-hermenéutica.
Sin duda, las elaboraciones teóricas que realizaron los artistas en la inflexión de los años sesenta y setenta es decisiva. Ahí no se produce lo que llamó polémicamente “la palabra pintada” Tom Wolfe (una impostura generalizada que haría que la crítica fuera normativa y el arte subsidiario o inesencial con respecto a las abstracciones retóricas o crípticas de los gurús intelectuales) sino una toma de posiciones, verdaderamente excepcional, que abre nuevos caminos para la construcción de gramáticas plurales del arte. Artistas como Smithson, Judd o Morris son ejemplos luminosos de ese momento en el que no solamente la “actitudes se convirtieron en formas” sino que también la teoría crítica se transformó en proceso articulado polémicamente por los artistas. Desde las consideraciones sobre el non-site a los objetos específicos o la nueva meditación sobre la escultura se marca una senda de enorme intensidad que, en gran medida, inaugura el campo complejo del arte contemporáneo.
Los artistas que participarán en el curso “DICHO Y HECHO” tienen trayectorias expositivas muy contrastadas y, algunos de ellos, han desplegado también tareas docentes en el ámbito universitario. Participarán en estas conferencias artistas que han realizado exposiciones en museos nacionales e internacionales, algunos de ellos con reconocimientos como el Premio Nacional de Artes Plásticas o el Premio Velázquez. Se ha establecido una selección de “voces” creativas que puedan ofrecer un panorama amplio de las modalidades de la creación contemporánea, tratándose cuestiones como la pintura, el dibujo, la escultura, el vídeo, el performance, el arte político, el feminismo, la cultura digital, la estética cyborg, etc.
Este Curso de Introducción al arte Contemporáneo está dirigido a estudiantes y graduados de Bellas Artes, Historia del Arte o Filosofía pero también a personas interesadas por el arte y la cultura contemporánea. Cada artista hablará tanto de un fenómeno artístico específico cuanto de los fundamentos teóricos de sus propias obras. Es una ocasión magnífica para conocer y discutir las manifestaciones creativas de nuestro tiempo “de la mano de los que saben lo que hacen”.
Artistas invitados a dar las conferencias: José Maldonado, Juan Carlos Román, Fernando Sinaga, Dionisio González, María Cañas, Esther Ferrer, María Ruido, PSJM, Marina Númez, Bernardí Roig, Santiago García y Concha Jerez.
Programa:
19 de Enero:
Presentación: “El arte en la voz de los que saben”, Fernando Castro Flórez.
“Intermedialidad”. Concha Jerez.
26 de Enero:
"Inmaterialidad", José Maldonado.
Es posible considerar, pensar y decir, que buena parte de la producción de sentido estético se interesa en el desarrollo de herramientas, las que le son propias y las que no_(tanto) Todas estas herramientas, hemos de entender, están asociadas a un esfuerzo notable de aproximación al conocer. Estos objetos, modelos potenciales de herramientas e instrumentos, son afortunadamente inmateriales, ligeros de transportar y fáciles de compartir (las vías son múltiples y transdisciplinares) Cuando hablamos, decimos, del arte conceptual o del arte de concepto (sutil diferencia) es necesario asumir cierto desequilibrio en la fuerza. Esto no es, sin embargo, una perdida de energía o un incumplimiento del principio de conservación. De lo que se trata es que conocer es un esfuerzo común que implica muchos materiales, herramientas, discursos, disciplinas y personas para que el sentido tienda a su plenitud casi… y esta es una tarea, humana, … muy entretenida (quizá melancólica). Es más, sin retroajuste, un modo del entretenimiento, no hay transformación. Una de las claves de todo aproximar reside en la inmaterialidad de toda una serie de procesos que acontecen en una línea de mundo que llamamos lenguaje. Somos semionautas que intuyen que no todo es materia… también, y sobre todo, energía (mucha de ambas en el lado obscuro).
Mi intención es tratar de comunicar a través de una máquina_metafórica, producto de cierta necesidad de entretenimiento, la generación de una línea de sentido (con sus cruces) que aún hoy se tiende a denominar obra artística… pero que esta ya no lo es más (en este evento)
2 de Febrero:
"Pintura", Juan Carlos Román.
La posición teórica de la charla intentará mostrar, de forma sintética, los dos modelos de pensamiento que rigen las representaciones contemporáneas; por una parte, la idea “gótica” de representar lo que sabemos, y por otra, el ejercicio de construir un relato a través de lo que vemos. Independientemente a los modelos de representación, la conferencia abordará dos cuestiones fundamentales; la actitud distante (sprezzatura) que sirve para enfrentarse a la pintura, y pintar, sin el aparente respeto que genera un lienzo en blanco; y el lugar, es decir, la posición de la pintura española y su disposición temática.
Juan Carlos Román, licenciado por la UPV, es doctor en Bellas Artes por la Universidad de Vigo y profesor de Arte y Contemporaneidad en la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra. Ha pronunciado conferencias y participado en congresos en las Universidades de Santiago de Compostela, País Vasco, Valladolid, Valencia, Oporto, Lisboa, Vigo y New York, así como en diferentes centros de arte. Ha publicado textos críticos donde analiza la obra de artistas como Sue Williams, Olafur Eliasson, Antony Gormley, Tony Cragg, Carlos Garaicoa, y Jasper Johns entre otros; textos que han sido presentados en museos como Secessión de Viena, CGAC de Santiago o el IVAM de Valencia, y en revistas como Cimal, Arte y Parte, etc. Independientemente a la enseñanza, su trayectoria deriva de la actividad artística iniciada en 1983. En la actualidad ha realizado más de una veintena de exposiciones individuales, entre las que destacarían: “Expaña”, Fundación Caja Cantabria, Santillana del Mar, Cantabria, 2015, “Pensando como Dalí, pintando como Velázquez” Galería Ad Hoc, Vigo, 2011, “7000 eichen in Dusseldorf”, Galería T40, Dusseldorf, 2005, “Dos artistas descalzos, un ojo y un burro”, Galería Alejandro Sales, Barcelona, 2004, "Risas, robles y arte feroz" Galería Trayecto, Vitoria, 2001, "Stars&Flowers" Galería Vanguardia, Bilbao, 1989, etc.; y más de un centenar de colectivas tanto nacionales como internacionales, y entre ellas, señalar: “O Bosquexo do Mundo” Exposición itinerante. Museo MARCO y Fundación Luís Seoane, 2013, “Distancia crítica” CGAC, Santiago de Compostela, 2008, “El arte dentro del arte”, Itinerante por diferentes centros. Murcia, Valladolid, Córdoba, 2003, “Entre el deseo y el rapto. Arte en Bilbao durante los años 90” Itinerante por los Institutos Cervantes de Roma, Milán y París, 2000, etc.
Su obra se encuentra representada en diferentes museos y colecciones privadas; cabe destacar la Fundación la Caixa, la Fundación Fran Daudel, la Colección Testimoni, el Museo Artium de Vitoria, el Centro Gallego de Arte Contemporáneo, y el Palacio de la Zarzuela.
Durante los últimos quince años aconseja y asesora a coleccionistas de arte contemporáneo, comprando obras de artistas internacionales en las prestigiosas casas de subastas, Christie’s y Sotheby’s. Recientemente se ha reunido con personalidades del mundo de la docencia, el arte y el coleccionismo en New York, directores de Departamentos de las casas de subastas (Christie’s, Sotheby’s y Phillips de Pury), docentes del CCS Bard Hessel Museum, directores de importantes colecciones internacionales, Advisor’s, etc., en calidad de director del seminario sobre Arte y Patrimonio del proyecto Baliza de la Universidad de Vigo.
En la actualidad participa en las mesas de trabajo sobre políticas públicas de Arragua, Lekeitio, y ha dirigido un Curso de Verano sobre Arte y Gastronomía “De la mano a la boca” en la Universidad Internacional Menéndez Pelayo de Santander, 2015.
9 de Febrero:
“Vídeo y cine expandido”, María Cañas.
Conferencia: El “cine porcino” y las "videomaquias" de María Cañas: videoguerrilla, "risastencia" y
menos pasta es más creatividad.
Viaje apasionado e inspirador por la “videomaquia”, la videoguerilla y la vídeo remezcla
postgenérica, marrana y marciana de la Cañas.
En esta sesión invitamos al público a participar en un recorrido audiovisual preparado por la
artista en el que agitaremos las imágenes y sospecharemos de ellas, para así transformarnos
en seres más críticos, salvajes y creativos. También será el momento para conocer algo más
sobre su proceso de creación y también para tratar algunos temas relacionados con las nuevas
narrativas cinematográficas después de Internet.
Pero, ¿qué es una videomaquia? En palabras de la artista: “Pienso que es el momento de
filmar lo que nadie filma y donde nadie filma o de hacer cine sin cámaras. Así como el torero
ejerce la tauromaquia, yo practico la videomaquia", que es el arte de reciclar y lidiar con
nuestro detritus audiovisual, con el excedente de imágenes de nuestra sociedad de consumo,
lo que implica, siguiendo con la metáfora taurina, apostar por las cornadas audiovisuales y
saltarse los derechos de autor a la torera, amparándome en las licencias Creative Commons (
“Si te saltas al intermediario, todo es más fácil”) y la ley "fair use" (excepción legal que permite
en E.E.U.U. usar los materiales bajo circunstancias artísticas, didácticas, paródicas y no
lucrativas). Reivindico narrativas audiovisuales liberadas de las concepciones bunkerizantes de
la historia y los géneros: avanzar por tierra de nadie, entre el cine experimental y el videoarte,
el documental y el ensayo, la vida y la muerte… Ser una radical caníbal audiovisual, cultivadora
de cinefagia apocalíptica-militante no proselitista que se introduce en los tópicos y géneros
para dinamitarlos, practicando la “risastencia”. El humor de todos los colores como una forma
de resistencia popular”. (Cañas).
María Cañas
La Archivera de Sevilla, La Virgen Terrorista del Archivo, María Cañas, iconoclasta audiovisual,
salvaje mediática, practica una videoguerrilla, que se introduce en los tópicos y géneros para
dinamitarlos. Licenciada en Bellas Artes, cursó el Doctorado en Estética e Historia de la
Filosofía en la Universidad de Sevilla y un máster en Postproducción digital C.E.A. Dirige
Animalario TV Producciones, un espacio de creación dedicado a la cultura del reciclaje, al
apropiacionismo y a la experimentación artística; una resistencia a la distracción en pos del
cultivo del fuego interno.
Su arte ha sido exhibido en multitud de festivales, ferias, eventos, centros de arte, museos y
galerías nacionales e internacionales, como La sustancia herencia, Risas en la oscuridad,
C.A.A.C, Sevilla. Kiss the Fire. Espacio Iniciarte, Sevilla y Espacio 5. C.A.C. Málaga. AVANT
14 Cinema Arenan, Gallery Thimar/Westling, Suecia. Regarder penser la ville. Centre D´Art
Contemporain Genéve, Suiza. Galería Isabel Hurley, Málaga. Galería Llucià Homs, Barcelona.
caS, ICAS, Sevilla. Fin de Fiesta en Sevilla, MIAM, Sète, Francia. Ciclos y festivales a
destacar: Lima Festival de Cine Independiente. Festival Internacional de Cine de Mar del Plata,
Argentina. X SEFF, Sevilla. Márgenes, Cineteca Matadero, Madrid. Festival Cinespaña,
Toulouse. Alcances, Cádiz. Jornadas de Reapropiación, México. The last Laugh, Film Society
of Lincoln Center, Nueva York. Filmoteca Española, Madrid, Filmoteca de Cataluña y Filmoteca
de Andalucía, Instituto Cervantes....
Recibiendo numerosos premios, entre los que destacan el primer premio- beca Universo_vídeo
en LABoral Centro de Arte y Creación Industrial, Hamaca, Festival de cine de Gijón, el Primer
premio "Ciudad de Alcalá" del Certamen Nacional de cortometrajes ALCINE Festival de Alcalá
de Henares, el Premio Julio Diamante Asecan Alcances, de Cádiz, el Premio Márgenes
Festival, Madrid, el Prix Ibn Batuta. FIAV, Nimes, Premio Román Gubern de Cine de Ensayo,
UAB, CaixaForum, Barcelona. Barcelona VisualSound, Premio RTVA-Zemos98-Caja San
Fernando.
16 de Febrero:
“Arte y política”, PSJM.
En "Arte y colectividad: políticas productivas", el duo PSJM aborda el arte hecho en colectividad desde una perspectiva política, artística y filosófica. Partiendo de la teoría institucional del arte y sobre todo de sus desarrollos en la sociología de Becker, Wolff o Bourdieu, que demuestran el carácter colectivo de toda producción cultural, se dará cuenta de algunas manifestaciones artísticas que, asumiendo estos presupuestos, centran su interés y práctica en los procesos de colaboración. Herederos de la "crítica institucional", el arte participativo y el arte realizado por colectivos, en muchos casos coincidentes, comparten la idea de la muerte del autor individual, definiéndose las prácticas relacionales o participativas por la cooperación del público y el arte de colectivos por la cooperación entre diferentes creadores. Se trata, en definitiva, de explorar las posibilidades de un arte horizontal.
PSJM es un colectivo de creación, teoría y gestión formado en 2003 por Cynthia Viera (Las Palmas de G.C, 1973) , y Pablo San José (Mieres, 1969), con base en Berlín. Incluidos entre los 100 artistas más representativos del arte político internacional en Art & Agenda: Political Art and Activism (Gestalten, Berlín, 2011), sus obras están presentes en numerosas muestras internacionales, como Beyond the Tropics, en el contexto de la 56ª Bienal de Venecia 2015. Su trabajo cuestiona la realidad socioeconómica con una práctica interdisciplinar y crítica que incide en las técnicas de seducción espectacular del capitalismo tardío. En el ámbito teórico, destacar sus últimas publicaciones: Fuego amigo. Dialéctica del arte político en el capitalismo total (CENDEAC, Murcia, 2015) o el artículo “Marcuse y el lema de la CIA” en Revista de Occidente (Madrid, 2016).
23 de Febrero:
“Feminismo”, María Ruido.
La conferencia versará sobre la influencia de las teorías y práxix feministas en el trabajo de María Ruido y la praxis feminista como teoría política y teoría crítica en el ámbito de la representación actual.
María Ruido es artista, investigadora y docente. Actualmente vive en Madrid y en Barcelona, donde es profesora en el Departamento de Imagen de la Universidad de Barcelona.
Desde 1998 viene desarrollando proyectos interdisciplinares sobre la construcción social del cuerpo y la identidad, los imaginarios del trabajo en el capitalismo postfordista, y sobre la construcción de la memoria y sus relaciones con las formas narrativas de la historia, y más recientemente trabaja en torno a las nuevas formas de los imaginarios decoloniales y a sus posibilidades emancipatorias.
Filmografía:
1998-1999: video acciones.
2002:- “La memoria interior” (33 mints.)
2003: - “tiempo real” (43 mints.)
2005: - “Ficciones anfibias” (33 mints.)
2008:- “Plan Rosebud 1” (114 mints.) + “Plan Rosebud 2” (120 mints.)
2009:- “Zona Franca” (20 mints.)
2010:-“Le paradis” (4 mints.)
-“Lo que no puede ser visto debe ser mostrado” (12 mints.)
2011:”ElectroClass” (53 mints.)
2013: “La place et la galerie / La piazza e la galleria” (9:30 mints.)
2014: “le rêve est fini/the dream is over” (47 mints.)
2015: "L´oeil impératif" (63 mints.)
1 de Marzo:
“Fotografía”, Dionisio González.
8 de Marzo:
“Performance”, Esther Ferrer.
15 de Marzo:
“Dibujo”, Bernardí Roig.
Dibujo del natural artificial
Bernardi Roig hará, una revisión de su trayectoria a través del dibujo y de la importancia de la línea en otros artistas que han sido fundamentales para construir su imaginario de estos últimos 20 años. Lo que parece mas cercano al vocablo dibujo es el vocablo natural. De hecho era una de las disciplinas más exigentes de las Academias de Bellas artes. Eso quiere decir: mirar lo que hay ahí afuera y llevarlo, normalmente, al papel. Como si la misión de ese papel fuese almacenar lo visto fuera. En eso tenía razón la Academia: dibujar es aprender a mirar; a mirar afuera. Pero una vez superado ese momento, y la academia no se podía ocupar de esto, dibujar es aprender mirar hacia el interior de la propia cabeza, para poder seguir viendo. Porque un dibujo tiene que ser una pregunta, y no solo eso: tiene que ser una pregunta de calidad. Jamás una respuesta, ni una confirmación, ni mucho menos una afirmación.
“Yo nunca dibujo del natural, dibujo del artificial, eso es a partir de los artificios ya construidos, desde las imágenes existentes y sobretodo de mi experiencia con las construcciones culturales heredadas y sus fragmentos. Obviamente yo no miro el mundo por primera vez, yo veo el mundo a través de los que lo han mirado y me lo han contado, lógico, ellos estaban antes y crearon y desarrollaron las herramientas lingüísticas y visuales que serán mi jaula interpretativa de la que solo podré escapar a través del sueño, el sexo, las drogas o el dibujo. Lo que pasa es que, en la mayoría de los casos, no me creo lo que me dicen y cuando me lo creo, pienso que lo que me han dicho no me lo han dicho lo suficiente.
Hay, sin duda, algo de lo que vemos que siempre nos conduce mas allá de lo que vemos, por eso hay que afilar esa mirada hasta pulverizar los límites de las apariencias y es entonces, quizá, cuando la línea puede pasar cerca del acontecimiento. Eso es el dibujo: convertir una mancha en una alfombra voladora, para largarse cuanto antes...”
29 de Marzo:
“Escultura”, Fernando Sinaga.
5 de Abril:
“Cyborg-cultura”, Marina Núñez.
12 de Abril:
“Cómic”, Santiago García.
