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POST ARCADIA. VII CURSO DE INTRODUCCIÓN AL ARTE CONTEMPORÁNEO.


POST-ARCADIA

¿Qué Arte para qué Naturaleza?

VII Curso de introducción al Arte Contemporáneo

Directores del curso: Miguel Mesa + Enrique Nieto  

Profesores de Proyectos Arquitectónicos de la Universidad de Alicante


i/ INTRODUCCIÓN


      0.1   La representación del dominio de lo humano sobre "lo natural" ha motivado un enorme catálogo de producciones a lo largo de la historia del arte y de la arquitectura herederas de la modernidad que incluye naturalezas, climas, catástrofes, cuerpos, animalidades, paisajes, atmósferas, invernaderos, jardines, retóricas de la sostenibilidad, estéticas de la energía, etc. Sin embargo esta relación, a menudo conflictiva y antagónica, ha sido fuertemente discutida desde muchas perspectivas, y hoy en día se ha convertido en una controversia fundamental para entender las transformaciones de la cultura contemporánea.

    La pérdida de centralidad de lo humano, la disolución del binomio naturaleza-cultura, las consecuencias de la acción  antrópica, la deslocalización de los fenómenos, etc., han reconfigurado  el modo en que los artistas se comprometen frente al problema de  lo natural, estableciendo nuevos posicionamientos y fórmulas  contractuales, reivindicando una voz propia en los debates  especializados y manifestando un compromiso activo con las emergencias del presente.

     Este curso propone un recorrido por aquellas prácticas contemporáneas del arte y de la arquitectura que están hoy reflexionando sobre la reinvención de la naturaleza a la luz de las nuevas aportaciones a la teoría y la crítica del arte y de la arquitectura desde campos de la cultura tan diversos como la ecología política, la antropología, los feminismos, la teoría postcolonial, la arqueología crítica, la historia profunda, las ecocríticas, la filosofía o las ciencias naturales.


     0.2    A lo largo de las sesiones contaremos con la contribución de especialistas en arte, arquitectura y crítica que están abordando el debate sobre la naturaleza desde sus propios campos disciplinares. Así, se ilustrarán aspectos concretos como la definición de nuevos compromisos éticos, nuevos conceptos que dan cuenta de las complejidades de lo real,  enrolamiento de otras disciplinas, relevancia del clima como campo de discusión, redefinición de lo urbano y disolución de la relación campo-ciudad, el papel del cuerpo en el escenario posthumano, el ensamblaje tecnosocial, la irrupción de la identidad cíborg y la ficción como productora de realidad.

     

     0.3    Este curso está dirigido tanto a personas especializadas en las disciplinas artísticas y arquitectónicas como a participantes en general que quieran interrogarse acerca de la  naturaleza. En este itinerario por el panorama contemporáneo estaremos acompañados de la ayuda de expertos en la materia y creadores que mediante sus prácticas están examinando las posibilidades futuras para el planeta y nuestra forma de relacionarnos con él.

ii/ SESIONES


1. POST-URBANO

¿Cómo han afectado las nuevas nociones de naturaleza a nuestra manera de entender las ciudades? ¿Cuáles han sido las reinterpretaciones de las tensiones entre el exterior y el interior de la ciudad en el marco del desmantelamiento de la separación entre cultura y naturaleza? ¿Qué es hoy una ciudad bajo la condición translocal, la multiescalaridad de los fenómenos urbanos y la disolución de los contornos físicos de lo urbano?

Andrés Jaque (Arquitecto) 23 de marzo de 2017


2. NARRATIVAS, RELATOS Y FICCIONES

¿Qué aporta la dimensión ficcional a nuestra visión de la naturaleza? ¿Qué papel juega el arte en la producción de relatos sobre la naturaleza? ¿Podemos hablar de una responsabilidad ética del arte asociada a la producción de estas narrativas? ¿Son estas narrativas un patrimonio exclusivo de los humanos? ¿Cómo amplian estas ficciones las posibilidades de lo real?

Invitado: Joan Fontcuberta (Artista) 30 de marzo de 2017


3. TECNOGÉNESIS

¿Qué ensamblajes podemos reconocer entre humanos, animales no humanos, seres ficcionales, tecnologías, cuerpos inertes, paisajes, instituciones o instrumentos normativos? ¿Cómo están asociadas todas estas entidades? ¿Cómo está garantizada su representación? ¿Qué escenarios de poder y de derechos pueden localizarse en las redes relacionales formadas por una multitud de agentes heterogéneos? ¿Cuáles son sus agencias y sus modos de performar?

Invitada: Izaskun Chinchilla (Arquitecta) 6 de abril de 2017


4. ESPECTADORES EXTRAÑOS

¿Cómo nos confrontarnos con lo extraño? ¿Qué pasa con el lenguaje cuando nos encontramos con algo que no podemos nombrar? ¿Cuándo nuestros mecanismos de percepción y clasificación ya no funcionan? ¿Qué surge de ese encuentro? ¿Cómo podemos dialogar con entidades no humanas? ¿Cuál es la agencia de los objetos? ¿Cómo dejar a los objetos confrontarnos con nuestros más profundos deseos y miedos? ¿Y si nos olvidamos de la idea del espectador? ¿Cómo podemos ir más allá del reino de lo posible y entrar en el reino de la potencialidad? ¿Qué papel juega la indiferencia en todo esto?

Invitada: María Jerez (Artista) 10-11 de  abril de 2017


5. ÉTICAS ECOLÓGICAS

¿Nos asomamos fuera de las murallas de la ciudad humana, intentando una ética extramuros? Y en tal caso ¿qué supone para nuestros sistemas éticos la apertura a los no humanos e incluso a las entidades no vivas? ¿Cómo modifican los asuntos ecológicos nuestro sentido de la responsabilidad? ¿Qué significa para el arte la aparición de nuevos modos de relacionarse con lo natural? ¿Cómo articular ecoéticas ambientales si las temporalidades son tan enrevesadas, incluyendo los efectos a largo plazo? Y si encaramos un colapso ecológico-social, ¿qué hacer? ¿Se tratará acaso, como propone Roy Scranton, de ‘aprender a morir en el Antropoceno’?

Invitado: Jorge Riechmann (Poeta/Matemático/Filósofo/Ecologista) 20 de abril de 2017


6. ANIMALES NO HUMANOS

¿Cuáles son las demandas éticas que es necesario formular en el escenario de las comunidades compuestas por animales humanos y no-humanos? ¿Qué posibilidades de mediación con otros animales se abren para el arte y el diseño contemporáneos? ¿Cómo dar voz a los demás animales? ¿Qué significa dar derechos a los no-humanos? ¿Por qué la atribución de derechos naturales a la especie humana se ha asignado en virtud de la capacidad inteligente y no de la de rumiar, volar o nadar?

Invitado: Thomas Thwiates (Artsita/Diseñador) 27 de abril de 2017


7. (POST)HUMANOS y REDES

Desde una mirada antropológica, ¿cómo está cambiando “lo humano” en la cultura-red?, ¿qué ensamblajes humanos y máquinas son significativos en espacios tradicionalmente privados y ahora conectados? ¿Cómo se transforman las formas de presentación y representación del sujeto? ¿Qué supone vivir “al lado de nosotros mismos” y de nuestras ficciones?, ¿cómo se transforman los vínculos y las formas de colectividad en la red? ¿Cómo (nos) cambian las maneras de producción y prosumo cultural? ¿Qué lecturas políticas se deducen para los sujetos conectados?, ¿Qué puede (si algo puede) el arte en una sociedad conectada?

Invitada: Remedios Zafra (Antropóloga) 4 de mayo de 2017


8. ANTROPOCENO / GAIA / COSMOS/ 

¿A qué responde la aparición de tantos conceptos que aspiran a capturar una imagen holística del mundo contemporáneo? ¿A qué tipo de colectivos incorpora este tipo de conceptos? ¿A qué tipo de naturalezas se refieren? ¿Qué implica para el arte o la arquitectura la toma en consideración de hiperobjetos de difícil estabilización por nuestros sentidos?

Invitada: Bárbara Fluxá (Artista) 18 de mayo de 2017


9. ARCHITECTURA AMANDI

¿Existe una erótica del espacio? ¿Pueden ser la experiencia, el deseo o los límites del cuerpo materias arquitectónicas? ¿Cómo edifican sus arquitecturas autores como Bastide, el Marqués de Sade o Sacher-Masoch, desde la ficción? ¿Cómo son las arquitecturas libertinas y qué podemos aprender de ellas? ¿Qué lenguajes, instrumentos y estrategias movilizan? ¿Qué principios de instalación despliegan? ¿Qué ecologías erótico-políticas se movilizan desde estos espacios de galantería y obscenidad?

Invitado: Uriel Fogué (Arquitecto) 25 de mayo de 2017


10. CLIMAS

¿Qué cambia cuando el clima cambia? ¿Cómo puede relacionarse el arte con algo tan distribuido como el clima? ¿Somos los humanos autores del clima? ¿Cuáles son las estéticas posibles para el cambio climático? ¿Y las deseables? ¿Qué contruye el clima y cómo éste es construído? ¿Es el arte un medio legítimo para discutir sobre el cambio climático?

Yayo Herrero (Antropóloga) 30 de mayo de 2017


11. SESIÓN FINAL

El ciclo se cierra con una sesión de debate público con la participación de José María Torres Nadal e Iván López Munuera

 

 

“DICHO Y HECHO.

VI Curso de Introducción al Arte Contemporáneo.

De la mano de sus protagonistas: la voz de los que saben lo que hacen".

 

CENDEAC. Murcia.

 

19 de Enero al 5 de Abril de 2016.

 

 

Director del curso: Fernando Castro Flórez.

Profesor Titular de Estética y Teoría de las Artes de la Universidad Autónoma de Madrid.

 

 

 

 

En el este Curso de Introducción al Arte Contemporáneo se da la palabra a los creadores con la conciencia de que son los agentes principales no sólo de la “construcción artística” sino uno de los factores decisivos de la teorización. Frente a ciertas posiciones que tratan de silenciar o marginalizar anecdóticamente el discurso de los artistas, en estas lecciones se mostrará que los creadores tienen planteamientos teóricos absolutamente articulados. Se trata, por tanto, de subrayar la importancia que tiene para la investigación artística tomar en cuenta lo que dicen y hacen los artistas porque en sus obras y declaraciones se encuentra el material vertebral de todo tipo de configuración histórica o crítico-hermenéutica.

Sin duda, las elaboraciones teóricas que realizaron los artistas en la inflexión de los años sesenta y setenta es decisiva. Ahí no se produce lo que llamó polémicamente “la palabra pintada” Tom Wolfe (una impostura generalizada que haría que la crítica fuera normativa y el arte subsidiario o inesencial con respecto a las abstracciones retóricas o crípticas de los gurús intelectuales) sino una toma de posiciones, verdaderamente excepcional, que abre nuevos caminos para la construcción de gramáticas plurales del arte. Artistas como Smithson, Judd o Morris son ejemplos luminosos de ese momento en el que no solamente la “actitudes se convirtieron en formas” sino que también la teoría crítica se transformó en proceso articulado polémicamente por los artistas. Desde las consideraciones sobre el non-site a los objetos específicos o la nueva meditación sobre la escultura se marca una senda de enorme intensidad que, en gran medida, inaugura el campo complejo del arte contemporáneo.

Los artistas que participarán en el curso “DICHO Y HECHO” tienen trayectorias expositivas muy contrastadas y, algunos de ellos, han desplegado también tareas docentes en el ámbito universitario. Participarán en estas conferencias artistas que han realizado exposiciones en museos nacionales e internacionales, algunos de ellos con reconocimientos como el Premio Nacional de Artes Plásticas o el Premio Velázquez. Se ha establecido una selección de “voces” creativas que puedan ofrecer un panorama amplio de las modalidades de la creación contemporánea, tratándose cuestiones como la pintura, el dibujo, la escultura, el vídeo, el performance, el arte político, el feminismo, la cultura digital, la estética cyborg, etc.

Este Curso de Introducción al arte Contemporáneo está dirigido a estudiantes y graduados de Bellas Artes, Historia del Arte o Filosofía pero también a personas interesadas por el arte y la cultura contemporánea. Cada artista hablará tanto de un fenómeno artístico específico cuanto de los fundamentos teóricos de sus propias obras. Es una ocasión magnífica para conocer y discutir las manifestaciones creativas de nuestro tiempo “de la mano de los que saben lo que hacen”.

 

 

Artistas invitados a dar las conferencias: José Maldonado, Juan Carlos Román, Fernando Sinaga, Dionisio González, María Cañas, Esther Ferrer, María Ruido, PSJM, Marina Númez, Bernardí Roig, Santiago García y Concha Jerez.

 

 

 

 

Programa:

 

 

19 de Enero:

Presentación: “El arte en la voz de los que saben”, Fernando Castro Flórez.

“Intermedialidad”. Concha Jerez.

 

26 de Enero:

"Inmaterialidad", José Maldonado.

Es posible considerar, pensar y decir, que buena parte de la producción de sentido estético se interesa en el desarrollo de herramientas, las que le son propias y las que no_(tanto) Todas estas herramientas, hemos de entender, están asociadas a un esfuerzo notable de aproximación al conocer. Estos objetos, modelos potenciales de herramientas e instrumentos, son afortunadamente inmateriales, ligeros de transportar y fáciles de compartir (las vías son múltiples y transdisciplinares) Cuando hablamos, decimos, del arte conceptual o del arte de concepto (sutil diferencia) es necesario asumir cierto desequilibrio en la fuerza. Esto no es, sin embargo, una perdida de energía o un incumplimiento del principio de conservación. De lo que se trata es que conocer es un esfuerzo común que implica muchos materiales, herramientas, discursos, disciplinas y personas para que el sentido tienda a su plenitud casi… y esta es una tarea, humana, … muy entretenida (quizá melancólica). Es más, sin retroajuste, un modo del entretenimiento, no hay transformación. Una de las claves de todo aproximar reside en la inmaterialidad de toda una serie de procesos que acontecen en una línea de mundo que llamamos lenguaje. Somos semionautas que intuyen que no todo es materia… también, y sobre todo, energía (mucha de ambas en el lado obscuro).

Mi intención es tratar de comunicar a través de una máquina_metafórica, producto de cierta necesidad de entretenimiento, la generación de una línea de sentido (con sus cruces) que aún hoy se tiende a denominar obra artística… pero que esta ya no lo es más (en este evento)

 

 

2 de Febrero:

"Pintura", Juan Carlos Román.

 

La posición teórica de la charla intentará mostrar, de forma sintética, los dos modelos de pensamiento que rigen las representaciones contemporáneas; por una parte, la idea “gótica” de representar lo que sabemos, y por otra, el ejercicio de construir un relato a través de lo que vemos.  Independientemente a los modelos de representación, la conferencia abordará dos cuestiones fundamentales; la actitud distante (sprezzatura) que sirve para enfrentarse a la pintura, y pintar, sin el aparente respeto que genera un lienzo en blanco; y el lugar, es decir, la posición de la pintura española y su disposición temática.

 

 

Juan Carlos Román, licenciado por la UPV, es doctor en Bellas Artes por la Universidad de Vigo y profesor de Arte y Contemporaneidad en la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra. Ha pronunciado conferencias y participado en congresos en las Universidades de Santiago de Compostela, País Vasco, Valladolid, Valencia, Oporto, Lisboa, Vigo y New York, así como en diferentes centros de arte. Ha publicado textos críticos donde analiza la obra de artistas como Sue Williams, Olafur Eliasson, Antony Gormley, Tony Cragg, Carlos Garaicoa, y Jasper Johns entre otros; textos que han sido presentados en museos como Secessión de Viena, CGAC de Santiago o el IVAM de Valencia, y en revistas como Cimal, Arte y Parte, etc. Independientemente a la enseñanza, su trayectoria deriva de la actividad artística iniciada en 1983. En la actualidad ha realizado más de una veintena de exposiciones individuales, entre las que destacarían: “Expaña”, Fundación Caja Cantabria, Santillana del Mar, Cantabria, 2015, “Pensando como Dalí, pintando como Velázquez” Galería Ad Hoc, Vigo, 2011, “7000 eichen in Dusseldorf”, Galería T40, Dusseldorf, 2005, “Dos artistas descalzos, un ojo y un burro”, Galería Alejandro Sales, Barcelona, 2004, "Risas, robles y arte feroz" Galería Trayecto, Vitoria, 2001, "Stars&Flowers" Galería Vanguardia, Bilbao, 1989, etc.; y más de un centenar de colectivas tanto nacionales como internacionales, y entre ellas, señalar: “O Bosquexo do Mundo” Exposición itinerante. Museo MARCO y Fundación Luís Seoane, 2013, “Distancia crítica” CGAC, Santiago de Compostela, 2008, “El arte dentro del arte”, Itinerante por diferentes centros. Murcia, Valladolid, Córdoba, 2003, “Entre el deseo y el rapto. Arte en Bilbao durante los años 90” Itinerante por los Institutos Cervantes de Roma, Milán y París, 2000, etc.

Su obra se encuentra representada en diferentes museos y colecciones privadas; cabe destacar la Fundación la Caixa, la Fundación Fran Daudel, la Colección Testimoni, el Museo Artium de Vitoria, el Centro Gallego de Arte Contemporáneo, y el Palacio de la Zarzuela.

 

Durante los últimos quince años aconseja y asesora a coleccionistas de arte contemporáneo, comprando obras de artistas internacionales en las prestigiosas casas de subastas, Christie’s y Sotheby’s. Recientemente se ha reunido con personalidades del mundo de la docencia, el arte y el coleccionismo en New York, directores de Departamentos de las casas de subastas (Christie’s, Sotheby’s y Phillips de Pury), docentes del CCS Bard Hessel Museum, directores de importantes colecciones internacionales, Advisor’s, etc., en calidad de director del seminario sobre Arte y Patrimonio del proyecto Baliza de la Universidad de Vigo.

En la actualidad participa en las mesas de trabajo sobre políticas públicas de Arragua, Lekeitio, y ha dirigido un Curso de Verano sobre Arte y Gastronomía “De la mano a la boca” en la Universidad Internacional Menéndez Pelayo de Santander, 2015.

 

 

 

9 de Febrero:

“Vídeo y cine expandido”, María Cañas.

 

Conferencia: El “cine porcino” y las "videomaquias" de María Cañas: videoguerrilla, "risastencia" y

menos pasta es más creatividad.

 

Viaje apasionado e inspirador por la “videomaquia”, la videoguerilla y la vídeo remezcla

postgenérica, marrana y marciana de la Cañas.

En esta sesión invitamos al público a participar en un recorrido audiovisual preparado por la

artista en el que agitaremos las imágenes y sospecharemos de ellas, para así transformarnos

en seres más críticos, salvajes y creativos. También será el momento para conocer algo más

sobre su proceso de creación y también para tratar algunos temas relacionados con las nuevas

narrativas cinematográficas después de Internet.

Pero, ¿qué es una videomaquia? En palabras de la artista: “Pienso que es el momento de

filmar lo que nadie filma y donde nadie filma o de hacer cine sin cámaras. Así como el torero

ejerce la tauromaquia, yo practico la videomaquia", que es el arte de reciclar y lidiar con

nuestro detritus audiovisual, con el excedente de imágenes de nuestra sociedad de consumo,

lo que implica, siguiendo con la metáfora taurina, apostar por las cornadas audiovisuales y

saltarse los derechos de autor a la torera, amparándome en las licencias Creative Commons (

“Si te saltas al intermediario, todo es más fácil”) y la ley "fair use" (excepción legal que permite

en E.E.U.U. usar los materiales bajo circunstancias artísticas, didácticas, paródicas y no

lucrativas). Reivindico narrativas audiovisuales liberadas de las concepciones bunkerizantes de

la historia y los géneros: avanzar por tierra de nadie, entre el cine experimental y el videoarte,

el documental y el ensayo, la vida y la muerte… Ser una radical caníbal audiovisual, cultivadora

de cinefagia apocalíptica-militante no proselitista que se introduce en los tópicos y géneros

 

para dinamitarlos, practicando la “risastencia”. El humor de todos los colores como una forma

de resistencia popular”. (Cañas).

 

María Cañas

 

La Archivera de Sevilla, La Virgen Terrorista del Archivo, María Cañas, iconoclasta audiovisual,

salvaje mediática, practica una videoguerrilla, que se introduce en los tópicos y géneros para

dinamitarlos. Licenciada en Bellas Artes, cursó el Doctorado en Estética e Historia de la

Filosofía en la Universidad de Sevilla y un máster en Postproducción digital C.E.A. Dirige

Animalario TV Producciones, un espacio de creación dedicado a la cultura del reciclaje, al

apropiacionismo y a la experimentación artística; una resistencia a la distracción en pos del

cultivo del fuego interno.

Su arte ha sido exhibido en multitud de festivales, ferias, eventos, centros de arte, museos y

galerías nacionales e internacionales, como La sustancia herencia, Risas en la oscuridad,

C.A.A.C, Sevilla. Kiss the Fire. Espacio Iniciarte, Sevilla y Espacio 5. C.A.C. Málaga. AVANT

14 Cinema Arenan, Gallery Thimar/Westling, Suecia. Regarder penser la ville. Centre D´Art

Contemporain Genéve, Suiza. Galería Isabel Hurley, Málaga. Galería Llucià Homs, Barcelona.

caS, ICAS, Sevilla. Fin de Fiesta en Sevilla, MIAM, Sète, Francia. Ciclos y festivales a

destacar: Lima Festival de Cine Independiente. Festival Internacional de Cine de Mar del Plata,

Argentina. X SEFF, Sevilla. Márgenes, Cineteca Matadero, Madrid. Festival Cinespaña,

Toulouse. Alcances, Cádiz. Jornadas de Reapropiación, México. The last Laugh, Film Society

of Lincoln Center, Nueva York. Filmoteca Española, Madrid, Filmoteca de Cataluña y Filmoteca

de Andalucía, Instituto Cervantes....

Recibiendo numerosos premios, entre los que destacan el primer premio- beca Universo_vídeo

en LABoral Centro de Arte y Creación Industrial, Hamaca, Festival de cine de Gijón, el Primer

premio "Ciudad de Alcalá" del Certamen Nacional de cortometrajes ALCINE Festival de Alcalá

de Henares, el Premio Julio Diamante Asecan Alcances, de Cádiz, el Premio Márgenes

Festival, Madrid, el Prix Ibn Batuta. FIAV, Nimes, Premio Román Gubern de Cine de Ensayo,

UAB, CaixaForum, Barcelona. Barcelona VisualSound, Premio RTVA-Zemos98-Caja San

Fernando.

 

 

16 de Febrero:

“Arte y política”, PSJM.

En "Arte y colectividad: políticas productivas", el duo PSJM aborda el arte hecho en colectividad desde una perspectiva política, artística y filosófica. Partiendo de la teoría institucional del arte y sobre todo de sus desarrollos en la sociología de Becker, Wolff o Bourdieu, que demuestran el carácter colectivo de toda producción cultural, se dará cuenta de algunas manifestaciones artísticas que, asumiendo estos presupuestos, centran su interés y práctica en los procesos de colaboración. Herederos de la "crítica institucional", el arte participativo y el arte realizado por colectivos, en muchos casos coincidentes, comparten la idea de la muerte del autor individual, definiéndose las prácticas relacionales o participativas por la cooperación del público y el arte de colectivos por la cooperación entre diferentes creadores. Se trata, en definitiva, de explorar las posibilidades de un arte horizontal.

 

PSJM es un colectivo de creación, teoría y gestión formado en 2003 por Cynthia Viera (Las Palmas de G.C, 1973) , y Pablo San José (Mieres, 1969), con base en Berlín. Incluidos entre los 100 artistas más representativos del arte político internacional en Art & Agenda: Political Art and Activism (Gestalten, Berlín, 2011), sus obras están presentes en numerosas muestras internacionales, como Beyond the Tropics, en el contexto de la 56ª Bienal de Venecia 2015. Su trabajo cuestiona la realidad socioeconómica con una práctica interdisciplinar y crítica que incide en las técnicas de seducción espectacular del capitalismo tardío. En el ámbito teórico, destacar sus últimas publicaciones: Fuego amigo. Dialéctica del arte político en el capitalismo total (CENDEAC, Murcia, 2015) o el artículo “Marcuse y el lema de la CIA” en Revista de Occidente  (Madrid, 2016).

 

23 de Febrero:

“Feminismo”, María Ruido.

La conferencia versará sobre la influencia de las teorías y práxix feministas en el trabajo de María Ruido y la praxis feminista como teoría política y teoría crítica en el ámbito de la representación actual.

 

María Ruido es artista, investigadora y docente. Actualmente vive en Madrid y en Barcelona, donde es profesora en el Departamento de Imagen de la Universidad de Barcelona. 

Desde 1998 viene desarrollando proyectos interdisciplinares sobre la construcción social del cuerpo y la identidad, los imaginarios del trabajo en el capitalismo postfordista, y sobre la construcción de la memoria y sus relaciones con las formas narrativas de la historia, y más recientemente trabaja en torno a las nuevas formas de los imaginarios decoloniales y a sus posibilidades emancipatorias. 

 

Filmografía: 

 

1998-1999: video acciones. 

2002:- “La  memoria  interior” (33 mints.) 

2003: - “tiempo real”  (43 mints.)   

2005: - “Ficciones anfibias” (33 mints.)    

2008:- “Plan Rosebud 1” (114 mints.)  + “Plan Rosebud 2” (120 mints.) 

2009:- “Zona Franca”  (20 mints.) 

2010:-“Le paradis” (4 mints.) 

 -“Lo que no puede ser visto debe ser mostrado” (12 mints.) 

2011:”ElectroClass” (53 mints.)  

2013: “La place et la galerie / La piazza e la galleria” (9:30 mints.)  

2014: “le rêve est fini/the dream is over” (47 mints.)  

 

 

2015: "L´oeil impératif" (63 mints.) 

 

 

1 de Marzo:

“Fotografía”, Dionisio González.

 

8 de Marzo:

“Performance”, Esther Ferrer.

 

15 de Marzo:

“Dibujo”, Bernardí Roig.

Dibujo del natural artificial


Bernardi Roig hará, una revisión de su trayectoria a través del dibujo y de la importancia de la línea  en otros artistas que han sido fundamentales para construir su imaginario de estos últimos 20 años. Lo que parece mas cercano al vocablo dibujo es el vocablo natural. De hecho era una de las disciplinas más exigentes de las Academias de Bellas artes. Eso quiere decir: mirar lo que hay ahí afuera y llevarlo, normalmente, al papel. Como si la misión de ese papel fuese almacenar lo visto fuera. En eso tenía razón la Academia: dibujar es aprender a mirar;  a mirar afuera. Pero una vez superado ese momento, y la academia no se podía ocupar de esto, dibujar es aprender mirar hacia el interior de la propia cabeza, para poder   seguir viendo. Porque un dibujo tiene que ser una pregunta, y no solo eso: tiene que ser una pregunta de calidad. Jamás una respuesta, ni una confirmación, ni mucho menos una afirmación. 

“Yo nunca dibujo del natural, dibujo del artificial, eso es a partir de los artificios ya construidos, desde las imágenes existentes y sobretodo de mi experiencia con las construcciones culturales heredadas y sus fragmentos. Obviamente yo no miro el mundo por primera vez, yo veo el mundo a través de los que lo han mirado y me lo han contado, lógico, ellos estaban antes y crearon y desarrollaron las herramientas lingüísticas y visuales que serán mi jaula interpretativa de la que solo podré escapar a través del sueño, el sexo, las drogas o el dibujo. Lo que pasa es que, en la mayoría de los casos, no me  creo lo que me dicen y cuando me lo creo, pienso que lo que me han dicho no me lo han dicho lo suficiente.

Hay, sin duda, algo de lo que vemos que siempre nos conduce mas allá de lo que vemos, por eso hay que afilar esa mirada hasta pulverizar los límites de las apariencias y es entonces, quizá, cuando la línea puede pasar cerca del acontecimiento. Eso es el dibujo: convertir una mancha en una alfombra voladora, para largarse cuanto antes...”

 

 

 

29 de Marzo:

“Escultura”, Fernando Sinaga.

 

5 de Abril:

“Cyborg-cultura”, Marina Núñez.

 

12 de Abril:

 

“Cómic”, Santiago García.